Uma das produções paraibanas mais aguardadas do ano teve uma concorrida pré-estreia no último dia 8 no Teatro Municipal, e agora vai ser lançada para todos na Mostra de Cinema do 50º Festival de Inverno de Campina Grande. A exibição será a céu aberto, na praça da Bandeira, dia 20 desse agosto, às 18h30. O curta metragem, de 24 minutos, integra a programação especial “Cinema na Rua” juntamente com dois outros curtas produzidos em Campina Grande: “Bloco da Saudade” de Romero Azevedo e “Biu do Violão e o Diamante Cor-de-Rosa” roteiro, produção e direção de Romulo Azevedo.

“Habeas Pinho” é uma produção esmerada, feita a seis mãos: Aluizio Guimarães e Nathan Cirino no roteiro e direção e Gal Cunha Lima, idealizadora do projeto e uma empenhada e competente produtora executiva.

O filme conta um fato real acontecido em Campina Grande no final dos anos 1950, precisamente em 1959, envolvendo um boêmio seresteiro, um violão, uma cantora da Rádio Borborema e o jovem advogado e poeta Ronaldo Cunha Lima. Não vou contar mais nada, vejam o filme para saber o que e como aconteceu.

A reconstituição de época, embora tenha algumas licenças cinematográficas, é requintada e denota o esforço da produção para o chegar o mais perto possível da realidade pretérita.

Além da originalíssima história, o grande trunfo do filme é sem dúvida o seu elenco, Lucas Veloso brilha como Ronaldo Cunha Lima, além da impressionante verossimilhança física, o jovem ator esbanja talento e técnica na composição do personagem que tanto nos encantou enquanto vivo e agora renasce com o mesmo vigor, carisma e simpatia na pele, gestos e palavras de Veloso. O mais que experiente Chico Oliveira encarna, e convence, o jornalista Epitácio Soares, figura lendária da história da cidade. Juzé faz o boêmio seresteiro e é nítida a intimidade do ator com o tipo representado. Mayana Neiva é a cantora-musa Dafne Cabral, causa indireta de toda a trama, essa atriz, já uma profissional com vários trabalhos em nível nacional, tem uma marcante presença em cena não só por sua beleza, mas especialmente pela sutil delicadeza que transmite nos gestos, olhares e uma voz de cantora de verdade; se não bastasse tudo isso, Mayana tem ainda uma qualidade rara que poucas atrizes possuem: fotogenia natural, a câmera gosta dela. É de se destacar também o elenco de suporte, os coadjuvantes, todos com um nível muito acima da média, a exemplo de Julio Cesar Rolim, Fabiano Raposo, Napoleão Gutemberg, Luiz Eduardo Farias, Flavio Guilherme, Pedro Oliveira, Essynho Maciel, Kaio Bruno, Gal e Roberto Cunha Lima.

Gratificante ver a nova geração de cineastas se voltando para temas da nossa história, é preciso contar essas histórias na forma narrativa mais popular que temos: o audiovisual/cinema. Habeas Pinho é uma prova de que sabemos como e o que fazer, que venham outros títulos.

Vi Retratos Fantasmas, novo filme de Kleber Mendonça Filho, na quinta-feira, 31 de agosto, no Cine Banguê no Espaço Cultural, em João Pessoa. É uma pena que o filme não seja exibido em Campina Grande, o “Cine” São José controlado pela Funesc não tem nem nunca teve um projetor digital e tela profissionais para cinema e ninguém sabe dizer se terá um dia; o Cinesercla do shopping Partage, como 99% do parque exibidor brasileiro, não têm o menor interesse em exibir filme nacional, imagine um produzido no Nordeste. Cota de tela já!

Falei em Campina Grande porque além de contar com um expressivo número de espectadores para esse tipo de cinema (as sessões semanais do Cineclube Memorial comprovam isso), a cidade é citada duas vezes no filme: a primeira diretamente numa foto do Centro de Recife onde aparece um imenso cartaz do Banco Industrial de Campina Grande, emblemática instituição financeira que ajudou Glauber Rocha a produzir Terra em Transe, Miguel Borges a fazer O Barão Otelo no Barato dos Milhões e financiou as primeiras cópias de Dona Flor e Seus Dois Maridos para o seu grande lançamento nacional em 1976; a segunda referência a Campina Grande no filme é bem indireta, mas não deixa de ser uma referência: na sequência do Uber (uma alusão explícita ao cinema do iraniano Abbas Kiarostami), a música que o motorista ouve é Rise com Herb Alpert, o mesmo Herb Alpert que com o seu trompete e a banda Tijuana Brass servia de prefixo para o início das sessões do Cine Capitólio na segunda metade dos anos 1960 (a música tocada era El Presidente).

Digressões à parte, continuemos com o filme. Retratos Fantasmas junta memória e história, real e imaginário, coletivo e intimo numa sensível crônica sobre a cidade amada tendo como fio condutor parte das mais de 25 salas de cinema, salas de rua, existentes no Recife, no pretérito-perfeito, no pretérito-mais-que-perfeito e até mesmo no pretérito imperfeito.

Eu pessoalmente me emocionei com aquela avalanche - Recife Frio - de imagens de arquivo muito bem restauradas e editadas. Está lá o Cine São Luiz, inaugurado no ano em que nasci, e no qual entrei a primeira vez em 1968 para ver a 25ª Hora, drama ambientado na segunda guerra mundial dirigido por Henri Verneuil com Anthony Quinn e Virna Lisi, o mesmo São Luiz que há 70 anos (no dia 3 de outubro de 1953) foi palco de um assassinato na calçada na porta de entrada no dia da pré estreia de O Canto do Mar de Alberto Cavalcanti (apesar do crime a sessão transcorreu como o previsto) foi lá também onde a produtora e atriz olindense Aurora Duarte lançou em 1960 o seu A Morte Comanda o Cangaço, dirigido por Carlos Coimbra.

No Art Palácio (surpreendente a revelação de suas origens ligadas a UFA de Goeebbels e Hitler, Fritz Lang e Murnau, esses dois cineastas não eram nazistas, eram expressionistas) vi a estreia de Jeanne Moreau gemendo de loucura e de torpor, prazer e pavor, preguiça e suor nos canaviais alagoanos, lembro ainda das sessões matinais no sábado nos anos 1970, onde vi O Grande Ditador de Chaplin, revi O Mágico de Oz e tantos outros. No final da sessão por volta do meio dia rumávamos para a Livro 7, com escala no Beco da Fome (carne guisada com macaxeira). Na Livro 7 comprei em 77 a edição de bolso espanhola de El Cine Según Hitchcock, a tradução em português do livro de Truffaut ainda não existia.

Nunca entrei no Moderno. Mas fui ao Espinheirense uma vez para ver Um Biruta Em Órbita Jerry Lewis dirigido por Gordon Douglas, um detalhe interessante: o bilheteiro vendia o ingresso, ele mesmo recebia o ticket na portaria e depois subia para a cabine para operar os projetores (a cobertura era de zinco e no meio da sessão caiu um toró daqueles de verão recifense, daí para a frente ninguém mais ouviu o som do filme); no Boa Vista um dos que lembro é Deixe-me Viver da dupla Arthur Pen/Arlo Guthrie (com comentários pós sessão no Mustang) e o “cinema de arte” Coliseu em Casa Amarela, onde vi Teorema de Pasolini (impacto total na época) e Privilégio (1967) um drama abordando a onda da música pop no Reino Unido e seus bastidores invisíveis para os fãs com a belíssima Jean Shrimpton sob a direção de Peter Watkins. Esses cinemas tão marcantes para mim ficaram de fora do filme.

Fui ao Veneza ver o lançamento de A Noite Americana de Truffaut e frequentei semanalmente no início dos anos 1970 aquele edifício, também cenário de Retratos Fantasmas, onde ficavam as distribuidoras de filmes, ia pegar na sexta o filme a ser exibido pelo Cineclube de Campina Grande no sábado e domingo e devolvia a cópia em 16 milímetros na segunda. O primeiro que alugamos lá foi O Evangelho Segundo São Mateus de Pasolini, da Art Filmes( tenho dúvida se a Art Filmes ficava mesmo naquele prédio).

A sequência em VHS mostrando o trabalho do senhor Alexandre Moura projecionista do Art Palácio é uma das que mais gosto. Eu que frequentei, e ainda frequento, tantas salas Brasil afora nunca tive contato com os projecionistas, esses operários hoje em extinção, responsáveis maiores pelo sucesso da exibição. Alexandre, in memoriam, é um personagem real. Bem diferente do Alfredo do Cinema Paradiso que é apenas uma representação dramatizada de um operador profissional. A cabine asfixiante sem ar condicionado o obrigando a deitar no chão para aliviar o calor (e a câmera colada nele nos faz sentir esse calor torturante), a overdose de O Poderoso Chefão que nem Coppola aguentaria enfrentar, e a poética e triste chave de lágrimas que sintetiza todo o segundo bloco do filme, fixaram para sempre esse personagem em minha retina, coração e mente.

A certa altura na narração Kleber diz, e repete, amo o Centro do Recife; e quem não ama o Centro do Recife? Acredito que basta passar por lá uma única vez (e eu passei muitas) para ama-lo desesperadamente como no poema de Vinicius, embora saiba que no tempo presente a barra é pra lá de pesada.

Jomard Muniz de Brito, Antonio Cadengue, Amin Stepple, Fernando Spencer (que bela foto do querido amigo), Geraldo Pinho… nomes eternos do cinema em/do Recife. Senti a falta de Geneton e Celso Marconi, ausências injustificáveis.

A trilha sonora é outro destaque do filme, com canções que complementam/comentam o texto. Uma grata surpresa para mim foi a Evocação, versão gravada ao piano pelo próprio compositor Nelson Ferreira em 1958. Não conhecia essa preciosidade, vivendo e aprendendo.

Os retratos e imagens animadas de Kleber, guardadas por anos e agora expostas ao público, revelam um passado que explica o presente, não só do cineasta, mas também da cidade do Recife e por extensão do Brasil (os cupins que devoraram a casa da vizinha e quase devoram o edifício Aquarius comprovam isso). As imagens me fizeram lembrar de Alma Corsária de Carlos Reichenbach, onde ele utiliza, em outro contexto, trechos de filmes amadores gravados pelo pai. Essas imagens de Retratos Fantasmas, em grande parte simples arquivos familiares que depois de restauradas e editadas no filme assumem outra dimensão, a dimensão do cinema. É aí que reside a grande diferença, é como aquela rua cenário do filme O Som Ao Redor que Kleber diz que primeiro queria filmá-la com a iluminação noturna dela mesma, as luzes vindas dos postes. Depois ele mesmo se deu conta que não ficaria bom e resolveu iluminar cinematograficamente e a rua passou a ter, como as imagens de arquivo pessoais, a dimensão do cinema (essa cena me tocou particularmente e toda vez que lembro do filme a primeira imagem que me vem é essa).

Encerro esse passeio proustiano-kinomatográfico (cabotino?) lembrando um verso de Caetano Veloso em reverencia poética a Sonia Braga (atriz visceralmente ligada ao atual, e competente, cinema pernambucano): como é bom poder tocar um instrumento.

Como os leitores já devem saber, a lista se refere aos filmes que vi pela primeira vez, portanto inéditos para mim, não importando o ano do lançamento (sempre digo que o digital tornou tudo contemporâneo). Evidentemente que num universo de 264 filmes vistos ao longo do ano, existem muito mais que dez “melhores”, mas o número dez aqui é apenas uma tradição canônica, uma seleção da seleção. A ordem em que os filmes estão colocados é simplesmente porque não temos como ordenar de forma diferente, logo fica claro que o primeiro não é melhor que o último, todos merecem ser vistos.

Sem mais delongas, como dizia meu guru cinematográfico Humberto de Campos, vamos aos dez melhores do ano que terminou:

Belfast - Reino Unido, 2021

De um lado o stablishment com suas garras, com os seus cobradores de impostos, seu exército, seus policiais e o confronto das igrejas ditas cristãs oprimindo todos, fiéis ou não. Do outro lado uma família comum acossada no meio dessa guerra estúpida, despedindo-se sazonalmente na rodoviária, buscando uma válvula de escape para viver e respirar livremente.

O vigésimo-segundo filme dirigido pelo também ator irlandês Kenneth Branagh é autobiográfico (ele também assina o roteiro) e se passa na cidade de Belsfat, capital da Irlanda do Norte, no final da década dos 60, precisamente em 1969 quando Branagh tinha nove anos de idade.

É um filme com uma história triste, mas contada com uma beleza estonteante; fotografado em preto e branco pelo chipriota Haris Zambarloukos, com breves e funcionais momentos coloridos, o filme já traz na textura da imagem a dualidade que move os conflitos sangrentos na cidade. Mais que um simples apelo realista, buscando uma acomodação visual com os filmes produzidos nos 60, a escolha do preto e branco arrasta para o campo da imagem a divisão étnica-religiosa entre católicos e protestantes e o permanente embate entre os cidadãos-trabalhadores e o governo-sistema que não lhes dá trégua, antagonismo (como o preto e o branco da fotografia) responsável pelo permanente clima de guerra em Belfast naquele período histórico.

A trilha sonora é outro destaque à parte, especialmente a música Do Not Forsake Me (Oh my Darling) cantada por Tex Ritter. Originalmente da trilha do filme Matar ou Morrer (High Noon, 1952), a canção pontua o clímax de Belfast ressignificando ao mesmo tempo, numa sacada genial, a letra da música e o clímax do western clássico de Fred Zinneman. O elenco é outra preciosidade desse drama pungente e arrebatador.

Veja o quanto antes.

Marighella - Brasil, 2019

A estreia na direção do ator Wagner Moura resultou num thriller-político-naturalista muito bem realizado que segura a atenção do espectador nas suas 2h35m de duração. As cenas de ação, além de serem produzidas com esmero profissional, foram editadas num ritmo eletrizante, pouco comum no cinema nacional.

A opção por uma narrativa linear-naturalista segue uma quase tradição do cinema brasileiro desde os seus primórdios nos anos 1920. Filmes baseados em casos reais sempre atraíram o interesse do público, o cineasta Hector Babenco, por exemplo, explorou esse estilo narrativo e obteve êxitos seguidos de bilheteria com Lucio Flavio, o passageiro da agonia; Pixote, a lei do mais fraco e Carandiru. Em 2007 e 2010 foi a vez de José Padilha encantar o público com Tropa de Elite e Tropa de Elite 2: O inimigo agora é outro, dois campeões de bilheteria.

No plano internacional um cultor desse tipo de cinema é o cineasta grego, naturalizado francês, Costa-Gavras, que lotou as salas em todo o mundo com Z (sobre a ditadura dos coronéis gregos), Estado de Sítio (sobre a repressão na ditadura civil-militar uruguaia e seus desdobramentos no Cone Sul), A Confissão (sobre a tortura e perseguição política na ditadura comunista tcheca), Desaparecido: um grande mistério (sobre os horrores da ditadura Pinochet no Chile), e mais recentemente Jogo de Poder (sobre as crises econômicas artificiais forjadas pelos especuladores internacionais para subjugar os países a seus interesses).

O naturalismo busca envolver o espectador mais pela emoção que pela razão, esse direcionamento ao emocional, conseguido pela forma de atuação dos atores, o mimetismo físico com os personagens reais (sem excluir possíveis licenças poéticas), o suspense e a ação envolventes, a trilha sonora emotiva realçando o tom melodramático da narrativa, provoca sempre uma empatia quase que automática e não é raro ver nas salas o público se manifestando com aplausos efusivos e palavras de ordem, torcendo comoventemente pelos personagens na tela.

Há de se destacar também a ampla repercussão do filme na mídia o que fez com que o cinema brasileiro voltasse ao centro dos acalorados debates culturais e, por tabela, lotasse as salas dos cinemas onde foi exibido fazendo com que Marighella se tornasse a maior bilheteria do cinema nacional em 2021, o que é sempre alvissareiro.

(o tema do Naturalismo foi abordado na dissertação Um trânsito naturalista: da literatura ao cinema brasileiro, defendida por nós no Mestrado Literatura e Interculturalidade da UEPB/UFPE em 2008).

Harakiri - Japão, 1962

Finalmente, 59 anos depois do seu lançamento, vi essa obra-prima dirigida por Masaki Kobayashi com o estupendo Tatsuya Nakadai interpretando o samurai desempregado Hanshiro Tsugumo que bate à porta de uma poderosa dinastia do século 17 pedindo permissão para cometer o suicido por harakiri no pátio interior da casa (uma tradição naquela época).

A partir desse mote, o roteiro de Shinobu Hashimoto expõe as vísceras do Japão feudal mostrando que até uma cerimônia nobre, quase sagrada, como o harakiri tem também o seu lado nada edificante e pode esconder hipócritas e covardes travestidos de samurais. Valeu a pena esperar todo esse tempo para ver essa joia rara do cinema, mas você não deve esperar mais 59 anos para vê-lo.

Mass - EUA, 2021

Quatro atores e atrizes extraordinários, Jason Isaacs, Martha Plimpton, Reed Birney e Ann Dowd, uma sala contígua a uma igreja episcopal, uma mesa, quatro cadeiras, um pequeno arranjo de flores num jarro, uma caixa de lenços de papel.

O ator de mais de 70 filmes, Fran Kranz, estreando na direção, só precisou desses recursos cenográficos para filmar o roteiro escrito por ele mesmo e fazer um filme impactante onde é impossível piscar o olho durante a fruição das imagens, sob pena de perder o bonde da reflexão.

Uma aula brilhante de cinema de baixo custo (foi filmado em apenas 14 dias, sendo 4 de externas), criativo, envolvente, com uma mise en scène impecável. 

É um drama psicológico contemporâneo que tem a ver com todos nós, não perca.

O Capitão - Alemanha, 2017

Diz o resumo do IMDB: Nos últimos dias da Segunda Guerra Mundial, um jovem soldado alemão lutando para sobreviver encontra um uniforme de capitão nazista. Posando como um oficial, o homem assume a identidade monstruosa daqueles de quem ele tenta escapar.

No final a equipe de gravação sai pelas ruas da Alemanha de hoje com o jovem “capitão” e seus soldados pedindo agressivamente para ver os documentos das pessoas nas praças e calçadas. A reação dessas pessoas diante do arrogante “nazista” é, como dizem os espanhóis, “escalofriante”.

Um filme obrigatório, antes que seja tarde demais.

A Ascenção - Rússia, 1977

Talvez o melhor filme feito sobre a estupidez, insensatez e nonsense de uma guerra. A cineasta Larisa Shepitko conduz com olhar seguro sua câmera sobre a paisagem e cenários e dirige com rara sensibilidade o seu elenco maravilhoso, extraindo de todos em cena o melhor do oficio de cada um.

Obra para ser vista imediatamente.

O Dia Mais Longo do Japão - Japão, 1967

A guerra vista pelo lado dos perdedores. Os conflitos éticos e, sobretudo, morais dos oficiais japoneses diante da humilhante rendição iminente depois das bombas de Hiroshima e Nagasaki. O filme de Kihachi Okamoto confirma: a guerra é uma insanidade total, não importa o lado. 

Com a singular forma de atuar que o celebrizou, Toshiro Mifune vive o então Ministro da Guerra japonês, General Korechika Anami.

Indispensável, veja assim que puder.

The Beatles: Get Back - Reino Unido, 2021

Tudo o que já foi dito sobre esse filme de Peter Jackson, editado a partir de imagens gravadas, produzidas e dirigidas por Michael Lindsay-Hoog em 1969, é pouco. O filme original, Let it be, lançado em 1970, apresenta uma imagem desoladora da banda como se as sessões de gravações tivessem sido feitas num clima de guerra entre eles, não é verdade.

Get Back é mais que um documentário consistente, repleto de imagens raras de arquivo e conversas também raras com os quatro Beatles work in progress. O filme, dividido em três partes, é um registro único de um momento único da cultura pop no ocidente naquele final da década que escancarou tudo, e mostra os Beatles descontraídos, brincalhões, entusiasmados com o projeto em que trabalham, criando a todo vapor e culminando com a apresentação histórica deles no telhado do prédio situado na Saville Road, 03, em Londres em 30 de janeiro de 1969. Tudo isso, como já vimos, ao som da mais fina música daquela banda de Liverpool que, acredito, vocês já devem ter ouvido falar.

Recomendo não só para fãs dos Beatles.

Manikarnika: A Rainha de Jhansi - Índia, 2019

Épico indiano que conta a história real de Rani Lakshmibai, uma das principais figuras da rebelião indiana de 1857, e sua resistência ao domínio britânico.

Em pleno século 19, Rani empunhou sua espada e partiu para a luta ao lado dos nacionalistas indianos contra o poderoso império colonialista britânico. Uma mulher guerreira, de origem nobre, totalmente desconhecida no ocidente e que agora tem sua história contada nessa superprodução primorosa dirigida a quatro mãos por Radha Krishna Jagarlamudi e a jovem atriz/diretora (34 anos) Kangana Ranaut, que também interpreta magistralmente a personagem-título.

O cinema indiano contemporâneo há muito superou Hollywood no quesito "superprodução histórica". Confira.

O Mauritano - EUA, 2021

Tortura, prisão clandestina, desprezo pelo ser humano, são inaceitáveis depois de tudo que aprendemos (?) na história sobre o nazismo, fascismo e outros “ismos” opressores e abjetos.

A luta de Mohamedou Ould Salahi pela liberdade, após ser detido e preso sem acusação durante anos pelo governo dos Estados Unidos, dignifica a espécie humana e nos convida a dar uma mirada no espelho.

Esse tipo de filme tem que ser feito e visto pelo maior número de espectadores possível.

Nossa lista acaba aqui, sugiro conferir essas produções.

Boas sessões!

(Publicado originalmente no Setaro’s Blog (https://setarosblog.blogspot.com) em 08/03/2008)

Capa e contracapa do livro

O livro “O cinema independente brasileiro contemporâneo em 50 filmes” foi lançado em novembro de 2020 pela Editora Sulina (www.editorasulina.com.br) e já está disponível para venda.

É um trabalho completo sobre essa importante produção que abarca um extenso período que vai de 2000 a 2019 e se realizou em vários estados do país. O cineasta, curador, escritor e professor do curso de graduação em Cinema e Audiovisual da Universidade Federal do Ceará (UFC), Marcelo Ikeda viu os filmes, conversou com os cineastas e traduz tudo isso em análises apuradas que desvelam esse universo oculto do cinema brasileiro contemporâneo. 

Nos anos 1970, o professor, crítico e ensaísta Paulo Emilio Salles Gomes disse que o pior filme brasileiro diz mais sobre nós mesmos que o melhor filme estrangeiro, era uma senha que ele lançava em sua incansável jornada pela visibilidade do cinema nacional. Ele disse também a título de provocação para o debate, que o brasileiro não “via” filmes, apenas “lia”, se referindo aos filmes estrangeiros legendados predominantes nos cinemas. Passados 50 anos continuamos “lendo” filmes, só que dessa vez filmes brasileiros que nos chegam através desse oportuno livro de Marcelo Ikeda.

A capa do livro, um trabalho de Letícia Lampert sobre stills de dois filmes da lista dos 50, é emblemática: uma espectadora solitária, sentada em sua cadeira, contempla a imagem em sua frente, mas antes tem um portão fechado que impede uma aproximação maior da espectadora (nós) dessa imagem. A imagem bateu em mim como uma síntese do conteúdo do livro que revela para o leitor, em palavras, as imagens ocultas desse cinema sem tela que circula timidamente em mostras e festivais restritos a poucos que têm a possibilidade de se fazer presentes nesses eventos sazonais. 

Dos 50 títulos elencados por Marcelo eu só tinha informações de 4, e não vi até hoje nenhum deles. (cheguei inclusive a destacar a estreia de “A Noite Amarela” em Campina Grande neste blog em 2019, quando pude ir ver já não estava mais em cartaz. No ano anterior participamos da sessão única, sim única, de “O Nó do Diabo” numa sala pública adaptada para cinema).

Esse impasse filme nacional X público é antigo, e nunca foi resolvido. Quanto mais janelas se abrem para o audiovisual, mais portões se fecham para o filme brasileiro. Ao longo da história foram vários os embates dos cineastas e produtores para garantir a presença do cinema brasileiro em seu próprio mercado, um mercado ocupado há mais de um século pelo filme estrangeiro, notadamente o produzido em Hollywood (e Marcelo é bem consciente disso). Hoje, ao que parece, os cineastas e produtores não estão muito empenhados em dar continuidade a essa luta para ocupar nossas telas e demais janelas. A impressão que se tem é que todo esforço é concentrado apenas na produção do audiovisual, a apatia no momento da distribuição e exibição é quase regra. ( a segunda capa do livro, com o personagem deitado em berço esplêndido, embora talvez não tenha sido essa a intenção da autora, estaria a denotar essa postura?). Não custa lembrar que essa questão é mais política que simplesmente mercadológica, parafraseando Fuller o cinema é um campo de batalha.

Arrisco dizer que somos os maiores produtores do mundo de filmes que não chegam até o público, os poucos que chegam são em sessões com horários inconvenientes, pouquíssimos dias em exibição e repercussão quase zero na chamada mídia (mainstream à parte). Lembro a justa decepção do cineasta Edgar Navarro com o minguado público nos cinemas do seu “Abaixo a Gravidade”, filme que vimos numa exibição online e esperamos a oportunidade de rever.

O grande mérito do livro, além das preciosas, detalhadas e inéditas análises, é rasgar o véu que encobre esse cinema que se supõe pelo escrito ser um cinema composto por filmes vibrantes, corajosos, inovadores, provocadores. Um cinema que, lástima, ainda tem esse portão trancado na frente impedindo o acesso do público a ele, e nada mais solitário que um filme não exibido.

A escassa bibliografia sobre o cinema brasileiro (a frase pode até ser um clichê, mas é verdadeira) ganha agora um expressivo volume que nos chega como uma bússola apontando os novos caminhos e direções do cinema nacional, seus realizadores, atores e atrizes e os múltiplos cenários geográficos e locações em que foram produzidos, entretanto sem se pretender a ser um cânone, como diz textualmente Ikeda: “não pretendemos formar um “cânone” dos principais filmes brasileiros dos últimos anos, mas, ao contrário, utilizando códigos similares à composição do cânone (a apresentação de uma lista de filmes), buscamos justamente problematizar sua formação, alargando o campo de atenção para o cinema produzido no país nas últimas duas décadas. A ironia da metodologia adotada está na utilização de um método canônico para poder desorganizá-lo por dentro.”

É um livro plural, diverso, que li com atenção e alegria (sim, concordo com o que disse Paulo Emílio) e recomendo a todos que se interessam por história, análise crítica, contemporaneidade e, claro, cinema brasileiro.

Confiram.

Fim de ano, tempo da tradicional lista dos dez melhores filmes vistos. Os leitores do blog sabem que temos regras próprias para essa classificação, primeiro o primeiro da lista não significa que é melhor que o décimo, a numeração é apenas uma questão de numeração. Segundo, diferente de outras listas semelhantes, essa contempla os filmes vistos pela primeira vez, independente do ano de lançamento, e terceiro outras dezenas de filmes muito bons ficaram de fora porque a lista é cravada em dez títulos , ou seja é  apenas uma convenção.

Dito isto, vamos ao que interessa (interessa?):

Num cenário que lembra metaforicamente a cela de uma cadeia, Caetano Veloso reflexiona sobre sua prisão pela ditadura civil-militar em 1968. A fala do artista, firme e emocionada, nos mostra que os assuntos que motivaram sua injusta prisão continuam atuais, aquele passado aparentemente distante ainda repercute no presente (o que é, no mínimo, um absurdo).

Assim como os filmes e livros sobre o nazismo e o stalinismo, filmes sobre a ditadura civil-militar brasileira devem continuar sendo produzidos e, mais que isso, sendo vistos, lidos e discutidos para que fatos como esses não se repitam nunca mais.

2. "Filhas do Sol" - França, 2018, dirigido pela cineasta Eva Husson

A história de mulheres guerreiras curdas lutando contra o Exército Islâmico para salvar sua cidade natal e suas famílias daquela barbárie  patrocinada “diz que” em nome de Alá. Essas histórias reais,precisam ser contadas para que o maior número de pessoas fique sabendo e reflexione sobre isso que chamamos genericamente de humanidade.

3. "Durak, O Tolo" – Rússia, 2014

O filme de Yuriy Bykov conta a história de um simples encanador, homem honesto, ele enfrenta todo um sistema de burocratas corruptos na Rússia pós queda do muro de Berlim, ou seja, a Rússia de hoje, tentando salvar 800 deserdados que vivem num edifício prestes a desabar e soterrar todos. O filme é sobre nós todos, ou aqueles que ainda acreditam num mínimo de dignidade e honestidade no sistema que nos governa, quer dizer é sobre os tolos. Parafraseando Drummond, é só um filme, mas como dói.

4. "O Leão do Deserto" - Líbia/USA, 1980 - Direção: Moustapha Akkad

Em 1929, o ditador fascista italiano Benito Mussolini nomeou o general Rodolfo Graziani como governador colonial da Líbia italiana com ordens de eliminar toda a resistência dos nacionalistas líbios liderados pelo líder guerrilheiro rebelde Omar Mukhtar. Outra história real pouco conhecida e pouco divulgada sobre a resistência contra a extrema direita e uma de suas ramificações mais abjetas: o fascismo. Brilhantes atuações de Anthony Quinn, como o líder rebelde Omar Mukhtar e Oliver Reed como o general Rodolfo Graziani.

5. "Você Não Estava Aqui" – UK, 2019

O cineasta Ken Loach é como o vinho, os anos passam e ele fica cada vez melhor. Aos 83 anos (hoje vai completar 85 em junho próximo) fez este filme de uma atualidade chocante: na esperança de que o trabalho autônomo por meio de uma economia gigantesca possa resolver seus problemas financeiros, um motorista de entrega (delivery) do Reino Unido e sua esposa lutando para criar uma família acabam presos no círculo vicioso dessa forma moderna de exploração do trabalho, a chamada “uberização”. Ken Loach não se deixa levar pelo discurso enganador dos ministros da economia, na verdade moleques de recado (ou “aviões” se quiser usar a linguagem do crime organizado) dos rentistas, agiotas, que dominam o tal mercado contra a população e mostra sem filtros essa nova realidade da precarização dos direitos trabalhistas em todo o mundo em nome de um cínico e desumano “desenvolvimento”. Imperdível.

6. "Uma Vida Oculta" - USA/UK/Alemanha, 2019

O diretor Terrence Malick aborda um evento real: a história de um herói desconhecido, Franz Jägerstätter, que se recusou a lutar pelos nazistas na Segunda Guerra Mundial. Quando o camponês austríaco é ameaçado de execução por traição, é sua fé inabalável e seu amor por sua esposa, Fani, e seus filhos que mantêm seu espírito vivo. Um exemplo de dignidade, coragem, honra. Deveria ser exibido nas escolas como matéria obrigatória.

7. "Os Cavaleiros do Buzkashi" – USA, 1971 – John Frankenheimer

Uma grande surpresa esse filme que só vim ver agora (antes tarde que nunca). Roteiro do grande Dalton Trumbo, baseado no romance de Joseph Kessel (o mesmo de Belle de Jour). O filme é um drama que retrata a vida rural no Afeganistão contemporâneo e o amor do povo afegão por um antigo esporte tradicional semelhante ao pólo a cavalo. Saber que o mundo, e seus costumes, é bem maior que nossos limitados horizontes pra mim sempre é gratificante. O filme também derruba de uma vez por todas a estória que dizia que Omar Shariff não passava de um canastrão boa pinta,  ele era na verdade um grande ator que infelizmente foi mal aproveitado na maioria dos filmes que fez. Jack Palance, como Tursen, pai do personagem de Shariff, é outro destaque de "Os Cavaleiros do Buzkashi".

8. "Os Miseráveis" - França, 2019 

O diretor Ladj Ly ambienta seu filme no subúrbio  operário de Montfermeil, onde Victor Hugo escreveu seu famoso romance Les Misérables há mais de 150 anos, não é coincidência. Policia, migrantes, menores largados nas ruas e explorados, corrupção, criminalidade, injustiça... tudo que está no romance de Victor Hugo se faz presente na Paris do século 21. Onde erramos?

9. "Labirinto de Mentiras" - Alemanha, 2014 - Giulio Ricciarelli

O ano é 1958. A guerra acabou há treze anos e a República Federal da Alemanha não está apenas se recuperando, mas até mesmo crescendo. Mas onde estão os nazistas? Quem já ouviu falar dos campos de extermínio? Parece que tudo vai para o melhor no melhor dos mundos possíveis nesta terra de leite e mel - pelo menos, até o dia em que o jornalista Thomas Gnielka relata o reconhecimento por um artista judeu-alemão de um professor local que foi guarda-torturador no campo de concentração de Auschwitz. A partir daí se revela uma teia obscura de encobrimento e negação dos crimes contra a humanidade praticados pelos nazistas, o próprio governo alemão protege os torturadores do passado recente. Qualquer semelhança com o Brasil de hoje  terá sido mera coincidência?

10. "Axé: Canto do Povo de um Lugar" - Brasil, 2016

Envolvente documentário sobre o nascimento, desenvolvimento e-aparentemente- desaparecimento da Axé Music surgida na Bahia. Os bastidores, os personagens, as canções num filme bem dirigido por Chico Kertész. Para ver e ouvir.

Por BRÁULIO TAVARES *

Eu conheci Rômulo e Romero Azevêdo quando nós entramos juntos para o Cineclube de Campina Grande, eu tinha dezesseis anos e eles tinham quatorze.

Então são quarenta e um anos de uma amizade muito longa, muito grande e alimentada com muitos filmes, muitas músicas e muitos livros.

Nós temos temperamentos parecidos e temos gostos parecidos. E em matéria de informações eles eram meu Google antes do Google ser inventado, tudo que eu não sabia era só perguntar.

Eu acho que uma amizade longa se baseia num passado compartilhado. Se baseia nos muitos momentos bons que a gente passou juntos e também nos momentos difíceis, momentos quando a gente tá perto de fraquejar e os amigos não deixam.

Em toda amizade existem divergências de opinião, divergências de gosto, opções de vida que as vezes nos deixam mais distantes um do outro do que a gente gostaria, mas isso é muito normal.

A melhor coisa da amizade é a certeza do afeto que a gente sente um pelo outro e a importância da opinião do outro, mesmo quando a gente discorda e resolve não fazer o que o outro tá aconselhando pra gente.

Os amigos são uma bússola. Eles não nos dizem para onde a gente deve ir, mas eles nos ajudam a saber, onde nós estamos, e em que direção nós estamos indo.

Um das minhas bússolas mais importantes na minha vida até hoje tem sido justamente, os Gêmeos Geniais. 

* Depoimento no vídeo “Homenagem do Comunicurtas” (2008) (Disponível no YouTube: https://youtu.be/lzemPCTtz60?t=206)

Lembro de um bordão inventado por não sei quem que dizia “Sessenta vem aí, negro vai virar macaco”; os negros davam o troco na mesma moeda: “E branco vai virar banana”.

A década também inaugurava (em fevereiro de 1962) a esperada Era de Aquário, regida pelo planeta Urano, o mais revolucionário dos astros do nosso sistema solar.

Foi nesse ano também que o astronauta russo Yuri Gagarin iniciou as viagens espaciais tripuladas e disse a frase que se tornou histórica: “A terra é azul”.

O ano de 1961 já se apresentava graficamente para nós, crianças entrando nos 8 anos, como um ano no mínimo engraçado. É que foi o único ano do século 20 que de cabeça para cima ou de cabeça para baixo não se alterava, dava sempre 1961. Tinha um anúncio colorido, página dupla, na revista “O Cruzeiro” apresentando o novo Aero-Willys 1961 (carro de luxo na época), nós nos divertíamos virando a revista de pernas pro ar para ver o 1961 aparecer inalterado mesmo de ponta-cabeça. 

Recém-saído do estudo das vogais fiquei confuso com aquele nome cheio de consoantes embaralhadas impresso na capa de um livro preto que um rapaz carregava debaixo do braço na porta da nossa casa: BERTOLT BRECHT. O rapaz, com a cara cheia de espinhas e uns óculos com lentes fundo-de-garrafa verdes era o estudante, futuro professor, Celso Pereira que perguntava para nós da calçada: “Dona Wanda está? ”. 

Foi nesse ano mágico, anunciador, que o Babilônia exibiu o western “Rifle de 15 tiros”, com Clint Walker. O título por si só já despertava uma enorme ansiedade, embora não tivesse nada a ver com o original “Fort Dobbs”, mas para nós o que valia era o título em português, brasileiro, a língua que a gente entendia.

Mesmo sabendo que as armas nos filmes de faroeste atiravam infinitamente sem precisar serem recarregadas, até então nunca existira um título de filme explicitando a capacidade de tiros, e esse rifle disparava 15 tiros de uma só vez, quase uma metralhadora.

(É importante deixar claro que nessa época sabíamos muito bem distinguir as armas artificiais do cinema das armas reais. Nós jamais desejamos ter um revólver ou rifle “de verdade” por causa dos vistos nos filmes, entendíamos perfeitamente aquele jogo cênico onde os “mortos” logo “ressuscitavam” na próxima sessão. Bem diferente de hoje onde se tenta fazer de armas mortais brinquedos nas mãos de adultos imaturos sem a mínima capacidade e discernimento para portá-las.)

Papai sentenciou: “esse, nós vamos ver no primeiro dia, na estreia” (que era a sexta-feira, o filme ficava em cartaz sexta, sábado e domingo), não precisa dizer que Rômulo e eu ficamos petrificados, como que em transe hipnótico. Acostumados a só frequentar o cinema nas matinais domingueiras, próprias para crianças na nossa idade, íamos de uma só vez ter direito a ver aquele filme tão esperado e, de quebra, numa sessão noturna, a famosa “soiree” (que traduzido quer dizer “tarde”, mas não sei por que se usava nos cartazes dos cinemas locais como indicativo de sessão noturna). Não era a primeira “soiree” que nós íamos, já tínhamos ido uma vez, a primeira vez, no Capitólio no ano anterior para ver “A flor que não morreu” (“Green Mansions”) com Audrey Hepburn e Anthony Perkins, um drama ambientado na selva amazônica com trilha sonora composta por Heitor Villa-Lobos.

A sessão noturna era um encantamento à parte, bem diferente das barulhentas matinais, público predominantemente adulto, mulheres com seus perfumes embriagadores, hálito de chicletes Adams (tutti-frutti ou hortelã), colares e pulseiras reluzentes adornando braços e pescoços, vestidos para “a noite”, penteados armados e sustentados pelo laquê. Os homens também se vestiam elegantemente, cabelos brilhando na base da brilhantina Glostora, perfume Lancaster, e nos dedos o inseparável cigarro Continental sem filtro, no qual davam longas tragadas, soltando a fumaça pelas narinas como dragões ou pela boca imitando vulcões (sim, era permitido fumar dentro dos cinemas). Enquanto a sessão não começava (eram duas sessões a noite: 19 e 21 horas) a música dos The Platters soava no ar evocando a década passada: “Smoke gets in your eyes” (essa combinava perfeitamente com a atmosfera do Capitólio enevoada de nicotina em seu estado físico gasoso), “My Prayer”, “Only You”, “The Great Pretender” e, ao apagar das luzes e abertura da grande cortina desnudando a tela gigante, "You’ll Never Know". Puro êxtase para aqueles gêmeos de 7 anos de idade.

Na terça-feira daquela semana cheia de expectativas, papai chegou na hora do almoço, abriu a cristaleira que ficava na sala de jantar, tirou do bolso os ingressos que havia comprado antecipadamente, uma inteira e duas meias, colocou dentro de um dos copos de cristal que minha mãe havia ganhado de presente de casamento e disse: “Pronto, os ingressos já estão aí, próxima sexta nós vamos!”. A cristaleira era baixa, feita de madeira envernizada, com um vidro duplo na frente, corrediço, à guisa de porta. De imediato nos ajoelhamos diante dela e ficamos como que hipnotizados olhando para aqueles ingressos cor-de-rosa, a inteira, amarelos as meias-entradas, enroscados dentro daquele translúcido copo que para nós, agora, brilhava ainda mais. Súbito a cristaleira, peça comum da decoração de nossa simples, mas maravilhosamente aconchegante casa, se transformou num altar de veneração onde genuflexos rendíamos graças aos ingressos todos os dias que antecederam a esperada sexta-feira. 

Faltando uns quinze minutos para o início da primeira sessão noturna, 19 horas, chegamos no Babilônia todo iluminado, cena rara para nós acostumados a ver os cinemas apenas de dia, os enormes  cartazes anunciando as próximas atrações cobriam toda a frente, nos livramos da fila porque os ingressos foram comprados antecipadamente, já no grande salão de exibição, com suas 750 poltronas, papai, como de hábito, sentou  na primeira fila, nós corremos para a frente, procurando os lugares mais próximos da imensa tela de 15 metros de largura por 9 metros de altura (lembrei agora do crítico e ensaísta Jean-Claude Bernardet que me disse uma vez que gostava de sentar bem perto da tela para ser “estuprado visualmente  pelas imagens”, tenho a impressão que todo cinéfilo pensa o mesmo). A música ambiente, que tocava antes de iniciar a sessão, era da orquestra de Perez Prado, mambos contagiantes como “El Manicero”, “Mambo Número 5”, “Patricia”, “Cherry Pink and Apple Blossom”, “Marilyn Monroe Mambo”, “Moliendo Café”... o Babilônia tinha um atrativo a mais,  a música silenciava, as luzes iam se apagando no interior da grande sala,  um gongo soava três vezes enquanto a cortina de cor bordô com uma barra amarelo-ouro ia deslizando pela esquerda e pela direita para revelar a imaculada tela branca.

Depois do cinejornal “Atualidades Atlântida”, mostrando inaugurações de obras, desfiles de moda e um jogo do campeonato carioca de futebol (com 30 dias de atraso) vieram os trailers dos filmes a serem exibidos em breve, na sequência apareceu o logotipo em preto e branco da Warner Brothers iniciando “O rifle de 15 tiros”...