Mais um ano começando e nós publicando a tradicional lista dos 10 melhores filmes vistos no ano que passou. Diferentemente das listas desse gênero que privilegiam os lançamentos do ano findo, a nossa tem como critério de “lançamento” os filmes que vi pela primeira vez. Já falei anteriormente, e repito, que filme “novo” é todo filme que você não viu ainda, não é mesmo? Então esse é o critério da minha lista: filmes que vi pela primeira vez no ano findo, sem importar o ano em que foi produzido. A ordem da lista é apenas numérica, não quer dizer que o primeiro é melhor que o segundo nem o décimo é menos bom que o nono. Também é importante dizer que o fato da lista ter apenas dez filmes, quando na verdade vimos muitos outros bons filmes, muitos deles comentados aqui no blog, é somente uma convenção tradicional.O protagonismo do cinema brasileiro nesse ano de 2025 é digno de nota. Dito isto, vamos aos filmes:

Perto do Sol É Mais Claro - Brasil, 2025

Vi esse filme na 20º edição do Comunicurtas. É um tour de force do diretor Regis Faria juntamente com o seu pai, o lendário Reginaldo Faria. O filme trata de um tema universal: o humanismo, a vontade de estar vivo, mas não apenas estar respirando, vivo no sentido amplo, como lembra o poeta “Navegar é preciso, viver não é preciso”. Num esmerado trabalho de câmera, direção e edição, Regis Faria consegue a proeza de fazer um documentário não documental, se é que consigo me fazer entender. O personagem central é o próprio Reginaldo Faria do alto dos seus 85 anos, um personagem real, com suas virtudes e suas falhas também, com suas capacidades e incapacidades físicas, com seus projetos ainda por fazer, seus amores, filhos e netos.

Enquanto O Céu Não Me Espera - Brasil, 2021

Também visto no festival Comunicurtas (uma importante janela para os filmes brasileiros). Produção amazonense dirigida por Christiane Garcia, é um filme daqueles de difícil realização técnica por causa dos cenários naturais sempre encharcados até a medula. Contudo isso não foi um obstáculo para a realização segura, firme, minuciosa de Christiane, que inclusive aproveitou com riqueza dramática o fato do corpo humano ser composto por cerca de 60% de água, ampliando o drama humano dos personagens que nesse mimetismo natural se expande pela paisagem. Se não bastasse essa sacada narrativa que abarca todos os elementos em cena, tem a participação sempre extraordinária de Irandhir Santos, um ator que traz em sua compleição físico-psíquica a incrível capacidade de mimetizar sua estampa com o cenário em volta, ora é um peixe, ora é um cipó, ora é um bicho da floresta.

Sambalanço, A Bossa Que Dança - Brasil, 2019

Roteirizado por Tárik de Souza e dirigido por Fabiano Maciel, este documentário apresenta no cinema a memória, até então invisível, desse importante movimento que dominou a cena musical nos anos 1950 e parte dos anos 1960, misturando samba, jazz e ritmos  caribenhos com forte conotação dançante. Nomes como o  do tecladista Ed Lincoln, o compositor e cantor Orlandivo, o músico João Donato, o baterista Wilson das Neves e outros, falam sobre esse criativo momento da música brasileira de grande empatia popular, mas sem a fundamentação teórica intelectual, vamos dizer assim, da Bossa Nova que surgiu no mesmo período.

Tudo Por Amor Ao Cinema - Brasil, 2015

Outro excelente documentário dessa vez abordando a vida e o trabalho de Cosme Alves Netto, personagem central da história do cinema brasileiro no campo da preservação e difusão de filmes cuja trajetória precisa ser conhecida e compartilhada. Cosme foi o diretor da Cinemateca do Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio de Janeiro de agosto de 1964 até o ano de 1981. Foi preso e perseguido pela ditadura civil-militar e defendeu com amor e coragem o acervo da cinemateca ameaçado permanentemente pela repressão. A paraibana Iza Guerra, ex-esposa de Cosme, dá um depoimento no filme. Roteiro e direção de Aurélio Michiles. Disponível no Youtube.

Tombstone, A Justiça Está Chegando - EUA, 1993

Um daqueles neo-western que surgiram depois do tsunami dos chamados western-spaghetti que violaram o templo do sagrado gênero americano e pintaram e bordaram nas pradarias da Almeria espanhola à guisa de velho oeste. Os irmãos Earp, Wyatt, Virgil e Morgan, mais o grande amigo Doc Holliday (Val Klimer soberbo) se reúnem em Tombstone para tentar levar uma vida calma, sem sobressaltos. Ledo engano. O desafeto Johnny Ringo está por lá também e o conflito é inevitável. A saga do delegado Wyatt Earp é uma história real e já foi filmada mais de 20 vezes pelo cinema e pela televisão. Essa versão dirigida pelo ítalo-americano George P. Cosmatos, com roteiro de Kevin Jarre, dá novo folego ao gênero ao absorver criativamente influencias dos westerns europeus e reforçar os alicerces do gênero tido como “o cinema americano por excelência”. À parte isso, o filme tem um elenco de primeira que o qualifica como poucos.

Nouvelle Vague - França/EUA, 2025

Uma recriação vibrante, sem saudosismo, das gravações do filme Acossado de Jean-Luc Godard, obra seminal do movimento de renovação do cinema francês conhecido como Nouvelle Vague. O filme foi feito em 1959 e lançado em 1960, trazendo inovações revolucionárias não só na decupagem, atuação, diálogos, mas também na montagem. O diretor americano Richard Linklater reconstitui a atmosfera efervescente da Paris do início dos anos 1960, a movimentação dos jovens cineastas, a militância política associada à produção artística. A "nova onda" em marcha apresentando um novo cinema ao mundo.

The Last Movie Star - EUA, 2017

Burt Reynolds (1936-2018) é Vic Edwards um astro do cinema que enfrenta a curva descendente da carreira rumo ao ostracismo. O diretor, também roteirista do filme, Adam Rifkin trata de um tema de certa forma recorrente no cinema americano que aparece em obras como "Crepúsculo dos Deuses" e "Fedora", ambos de Billy Wilder, e "A Cidade dos Desiludidos" de Vincent Minelli. O sub tema do etarismo, assunto bastante em voga nesses obscuros tempos que vivemos hoje, está presente no filme e demonstra que é a causa da aposentadoria forçada de atores e atrizes nessa “máquina de moer gente” (tomo emprestado a frase do roteirista Damien Chazelle no filme "Babilônia", de 2022) que é o cinema industrial de Hollywood.

Valor Sentimental - Noruega, 2025

Roteiro bem construído, diálogos de gente madura, um elenco excepcional, que inclui os consagrados Stellan Skarsgârd e Renate Reinsve, compensa com sobra os 133 minutos investidos na contemplação do filme.Fotografia funcional integrada com a narrativa, trilha sonora sutil, edição surpreendente, direção, de Joachim Trier, que explora com maestria todos esses elementos em função da história narrada.

Foi Apenas Um Acidente - Irã/França, 2025

Embora tenha umas pontas soltas no roteiro (que não prejudicam muito o conjunto da obra), o filme do diretor iraniano, exilado na França, Jafar Panahi, trata, num tom de drama e comédia, de um tema bem presente neste século 21: as ditaduras e seus sistemas de repressão que incluem a abominável tortura. No caso é a ditadura da república islâmica iraniana. Interessante saber que um filme brasileiro de 1998, dirigido por Beto Brant, com roteiro do escritor Marçal Aquino, Ação Entre Amigos, trata exatamente do mesmo tema. A diferença é que no drama brasileiro não há dúvida sobre o objeto da ação e no iraniano há.

Sombras dos Ancestrais Esquecidos - União Soviética (hoje Rússia), 1965

Foi distribuído no Brasil com o título de Os Cavalos de Fogo . É um filme deslumbrante. Reconstituição de época, figurinos, direção de arte, cenografia, música de uma riqueza que só o cinema é capaz de misturar e  reproduzir. O roteiro de Ivan Chendej e Sergei Parajanov é baseado no romance homônimo, obra-prima do autor ucraniano (final do século XIX e início do século XX) Mykhailo Kotsiubynsky. Embora se trate de um filme de época, a cinematografia (fotografia/câmera e edição) é contemporânea e cria um instigante conflito entre o tema abordado e sua interpretação feita pela linguagem do cinema. Todo falado em ucraniano, esse drama dirigido pelo diretor russo Sergei Parajanov (também roteirista) é um dos mais belos e vigorosos filmes feitos na então União Soviética pós segunda guerra mundial.

Essa é a nossa lista do ano que findou, um feliz 2026 para todos com muitos filmes na retina.

Antes de encerrar, uma observação: Ainda não tive oportunidade de ver "O Agente Secreto" de Kleber Mendonça Filho.

Dia desses, conversando com o amigo professor-doutor-pesquisador João de Lima, do Departamento de Comunicação da UFPB-João Pessoa, ele me falou rapidamente que havia visto num dos números da revista Cinearte (1926-1932) uma referência à atriz Mazyl Jurema de Campina Grande. Comecei minha investigação e constatei que sim, houve uma atriz nascida em Campina Grande que atuou como protagonista num filme de longa metragem produzido em Recife no ano 1930 do século passado, dentro do período da história do cinema brasileiro que ficou conhecido como Ciclo do Recife.

Nas duas primeiras décadas do século 20 houve uma descentralização da produção cinematográfica que ainda engatinhava no Brasil e era concentrada no eixo Rio-São Paulo. Surgiram polos de produção no Rio Grande do Sul, interior de São Paulo (notadamente em Campinas), Minas e Pernambuco.

O Ciclo de Cataguazes em Minas Gerais, liderado pelo cineasta Humberto Mauro, que foi devidamente estudado por Paulo Emilio Salles Gomes na seminal obra Humberto Mauro, Cataguases, Cinearte (São Paulo: Perspectiva,1974), é tido como o mais importante ciclo regional do início do século passado, seguido pelo Ciclo de Recife que foi o que produziu mais (13 longas de ficção e 18 documentários).

O ciclo de cinema do Recife foi iniciado ainda na era do cinema mudo em 1923 e reunia um grupo de fãs que resolveu passar da condição de meros espectadores para a de produtores de filmes. Edson Chagas, Gentil Roiz, Jota Soares, Ary Severo e sua esposa Almery Steves, Dustan Maciel, Luiz Maranhão, Pedro Neves figuram entre esses pioneiros que conseguiram realizar 13 longas em 7 anos de atividade, alguns desses filmes tiveram repercussão nacional como é o caso de A Filha do Advogado exibido também no Rio e em São Paulo (link aqui). 

Antes de prosseguir, um parêntese: em 1971 participamos, meu irmão Rômulo Azevedo e eu, de uma retrospectiva do Ciclo do Recife promovida pela Cinemateca do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, leia-se Cosme Alves Neto. Na sessão que exibiu o filme Jurando Vingar, dirigido por Ary Severo em 1925 (disponível no Youtube), conhecemos pessoalmente o ator Dustan Maciel, o próprio Ary Severo e sua esposa a atriz Almery Steves (ela então com 67 anos) e Pedro Neves, quatro importantes personagens do ciclo pernambucano. Também foram exibidos na retrospectiva do MAM os filmes Aitaré da Praia (1925) (link aqui), Revezes (1927) (link aqui) e A Filha do Advogado (1926) link acima. 

Doze anos depois, em 1983, fizemos no Departamento de Artes da UFPB (hoje UFCG), uma Mostra do Ciclo do Recife onde exibimos 2 longas e lançamos, com a presença do realizador Fernando Spencer, o filme Almeri & Ari Ciclo do Recife e da Vida, documentário sobre os pioneiros Ary Severo e Almery Steves atriz de quatro filmes do Ciclo do Recife (disponível no Youtube).

Voltando à nossa atriz Mazyl Jurema, na revista Cinearte, publicação semanal especializada em cinema e editada no Rio de Janeiro sob a direção de Mario Behring e Adhemar Gonzaga , número 228 de 9 de julho de 1930, há uma entrevista com ela feita por um dos “redactores” de “A Provincia”, de Recife (conservamos a grafia da época), a jovem atriz em seu primeiro trabalho no cinema, e já como protagonista, disse: 

“Tenho vivido quasi toda a minha infância em Campina Grande, na Parahyba, onde jamais passou-me a idéa de trabalhar em films... Apesar disso, um amigo da nossa família, residente no Rio de Janeiro; não se cansava na proposta de uma ida até lá... Isso, naquelles tempos da Benedetti (Paulo Benedetti, pioneiro do cinema brasileiro que fez mais de 50 filmes entre 1923 e 1931) em que viamos e admirávamos "(A)Esposa do Solteiro” (Longa produzido por Paulo Benedetti e dirigido por Carlo Campogalliani em 1926) Mas eu, antes de tudo, julgava a idéa impossível de se realizar. E, por isso, faltou-me coragem para a aventura. Assim, contentava-me com o Grupo Escolar, cujas representações semestraes, eram, para mim, uma grande satisfação”.

Ainda na mesma entrevista Mazyl prossegue: “No emtanto, logo após a minha vinda para o Recife, tive o ensejo de ler, atravez de um jornal, um annúncio da "Liberdade Film", no sentido de adquirir o typo justamente preciso para a sua próxima produção. Neste mesmo dia, á tarde, comparecia ao escriptorio de Luiz Maranhão, gerente da empresa, levando as photographias para o "test" exigido. Mas nada ficou resolvido ainda e só no dia seguinte, mediante a minha victoria entre as demais candidatas, posei para as primeiras scenas do film". 

O filme era No Cenário da Vida que foi citado a primeira vez na Cinearte numa nota, com direito a fotografia de parte do elenco, incluindo Mazyl, no número 226, publicado em 25 de junho de 1930. Diz textualmente a nota: 

"No Scenario da Vida", que Luiz Maranhão está dirigindo, em Recife, reúne, no seu elenco, Mazyl Jurema, Alfredo Coelho, Manoel Coelho, Severino Coelho e mais alguns elementos bons, entre os quaes mais uma artistazinha principiante e interessante: Nita Palmer... A convite de Luiz Maranhão, entraram, entre outras figuras conhecidas, Dustan Maciei e Pedro Neves, em mais um ligeiro trecho cômico. O film já deve estar terminado e, naturalmente, sua exhibição não tardará”.

Em 23 de julho de 1930 saiu o número 230 da revista Cinearte, trazia na capa a atriz americana Gloria Swanson. Neste número Mazyl Jurema ganhou um grande destaque em nada menos que duas páginas contendo uma nova entrevista com ela, ilustrada com 5 fotos grandes. O título da reportagem, em letras garrafais, exalta sobremaneira a jovem atriz paraibana: “Mazyl Jurema, a estrella do Norte”.

A estreante no mundo do cinema, mas já tratada como uma estrela da tela grande, voltou às páginas da revista numa nova foto de uma cena de No Cenário da Vida, um beijo entre ela e o ator Rodolpho Cavalcanti, foi publicada na página 9 da edição número 237 da Cinearte, lançada em 10 de setembro daquele ano de 1930.

A última citação do nome de Mazyl na conceituada revista Cinearte de circulação nacional foi no número 243, lançado em 15 de outubro de 1930, trazendo na capa a atriz sueca Greta Garbo. Num tópico intitulado Cinema do Brasil, se lê: “Os films produzidos em Pernambuco podem não ser os melhores, mas todos têm sido feitos com muita constância e força de vontade e todos têm sido exhibidos. Mesmo que a sua exhibição se restrinja no Estado, já representa uma animação para os seus produtores que assim, com actividade, vão melhorando sempre. Para os que vivem a propalar que o nosso Cinema vive apenas das photographias nas revistas, deve ser interessante saber que "No Scenario da vida", foi exhibido no Moderno de Recife. Como se sabe, o film foi photographado por Edson Chagas, tem um argumento de Mario Mendonça e Jota Soares e a direcção de Luiz Maranhão. Nos principaes papeis estão Severino Coelho que se destacou bastante, dizem, no papel de villão, Cláudio Celso, Mazyl Jurema e Nita Palmer.” 

No Cenário da Vida, filme mudo, seria lançado em pleno apogeu do cinema sonoro e apesar do empenho de Jota Soares em tentar sonorizar algumas cenas sincronizando discos em tempo real durante a projeção, o público exigia a novidade dos “talkies” americanos, como eram chamados os filmes sonoros, e acabou rejeitando esse tipo de cinema tido como ultrapassado. No Cenário da Vida foi o canto de cisne do Ciclo do Recife que não resistiu ao impacto da nova e cara tecnologia do som e encerrou suas atividades depois de sete anos de uma intensa e promissora produção cinematográfica.

Ao nome da pioneira Mazyl Jurema iriam se juntar depois os nomes das atrizes campinenses que também protagonizaram na tela grande do cinema em nível nacional: Cacilda Lanuza (ver aqui), Taíse Costa, Lucy Pereira e Mayana Neiva.

Como os leitores já devem saber, a lista se refere aos filmes que vi pela primeira vez, portanto inéditos para mim, não importando o ano do lançamento (sempre digo que o digital tornou tudo contemporâneo). Evidentemente que num universo de 264 filmes vistos ao longo do ano, existem muito mais que dez “melhores”, mas o número dez aqui é apenas uma tradição canônica, uma seleção da seleção. A ordem em que os filmes estão colocados é simplesmente porque não temos como ordenar de forma diferente, logo fica claro que o primeiro não é melhor que o último, todos merecem ser vistos.

Sem mais delongas, como dizia meu guru cinematográfico Humberto de Campos, vamos aos dez melhores do ano que terminou:

Belfast - Reino Unido, 2021

De um lado o stablishment com suas garras, com os seus cobradores de impostos, seu exército, seus policiais e o confronto das igrejas ditas cristãs oprimindo todos, fiéis ou não. Do outro lado uma família comum acossada no meio dessa guerra estúpida, despedindo-se sazonalmente na rodoviária, buscando uma válvula de escape para viver e respirar livremente.

O vigésimo-segundo filme dirigido pelo também ator irlandês Kenneth Branagh é autobiográfico (ele também assina o roteiro) e se passa na cidade de Belsfat, capital da Irlanda do Norte, no final da década dos 60, precisamente em 1969 quando Branagh tinha nove anos de idade.

É um filme com uma história triste, mas contada com uma beleza estonteante; fotografado em preto e branco pelo chipriota Haris Zambarloukos, com breves e funcionais momentos coloridos, o filme já traz na textura da imagem a dualidade que move os conflitos sangrentos na cidade. Mais que um simples apelo realista, buscando uma acomodação visual com os filmes produzidos nos 60, a escolha do preto e branco arrasta para o campo da imagem a divisão étnica-religiosa entre católicos e protestantes e o permanente embate entre os cidadãos-trabalhadores e o governo-sistema que não lhes dá trégua, antagonismo (como o preto e o branco da fotografia) responsável pelo permanente clima de guerra em Belfast naquele período histórico.

A trilha sonora é outro destaque à parte, especialmente a música Do Not Forsake Me (Oh my Darling) cantada por Tex Ritter. Originalmente da trilha do filme Matar ou Morrer (High Noon, 1952), a canção pontua o clímax de Belfast ressignificando ao mesmo tempo, numa sacada genial, a letra da música e o clímax do western clássico de Fred Zinneman. O elenco é outra preciosidade desse drama pungente e arrebatador.

Veja o quanto antes.

Marighella - Brasil, 2019

A estreia na direção do ator Wagner Moura resultou num thriller-político-naturalista muito bem realizado que segura a atenção do espectador nas suas 2h35m de duração. As cenas de ação, além de serem produzidas com esmero profissional, foram editadas num ritmo eletrizante, pouco comum no cinema nacional.

A opção por uma narrativa linear-naturalista segue uma quase tradição do cinema brasileiro desde os seus primórdios nos anos 1920. Filmes baseados em casos reais sempre atraíram o interesse do público, o cineasta Hector Babenco, por exemplo, explorou esse estilo narrativo e obteve êxitos seguidos de bilheteria com Lucio Flavio, o passageiro da agonia; Pixote, a lei do mais fraco e Carandiru. Em 2007 e 2010 foi a vez de José Padilha encantar o público com Tropa de Elite e Tropa de Elite 2: O inimigo agora é outro, dois campeões de bilheteria.

No plano internacional um cultor desse tipo de cinema é o cineasta grego, naturalizado francês, Costa-Gavras, que lotou as salas em todo o mundo com Z (sobre a ditadura dos coronéis gregos), Estado de Sítio (sobre a repressão na ditadura civil-militar uruguaia e seus desdobramentos no Cone Sul), A Confissão (sobre a tortura e perseguição política na ditadura comunista tcheca), Desaparecido: um grande mistério (sobre os horrores da ditadura Pinochet no Chile), e mais recentemente Jogo de Poder (sobre as crises econômicas artificiais forjadas pelos especuladores internacionais para subjugar os países a seus interesses).

O naturalismo busca envolver o espectador mais pela emoção que pela razão, esse direcionamento ao emocional, conseguido pela forma de atuação dos atores, o mimetismo físico com os personagens reais (sem excluir possíveis licenças poéticas), o suspense e a ação envolventes, a trilha sonora emotiva realçando o tom melodramático da narrativa, provoca sempre uma empatia quase que automática e não é raro ver nas salas o público se manifestando com aplausos efusivos e palavras de ordem, torcendo comoventemente pelos personagens na tela.

Há de se destacar também a ampla repercussão do filme na mídia o que fez com que o cinema brasileiro voltasse ao centro dos acalorados debates culturais e, por tabela, lotasse as salas dos cinemas onde foi exibido fazendo com que Marighella se tornasse a maior bilheteria do cinema nacional em 2021, o que é sempre alvissareiro.

(o tema do Naturalismo foi abordado na dissertação Um trânsito naturalista: da literatura ao cinema brasileiro, defendida por nós no Mestrado Literatura e Interculturalidade da UEPB/UFPE em 2008).

Harakiri - Japão, 1962

Finalmente, 59 anos depois do seu lançamento, vi essa obra-prima dirigida por Masaki Kobayashi com o estupendo Tatsuya Nakadai interpretando o samurai desempregado Hanshiro Tsugumo que bate à porta de uma poderosa dinastia do século 17 pedindo permissão para cometer o suicido por harakiri no pátio interior da casa (uma tradição naquela época).

A partir desse mote, o roteiro de Shinobu Hashimoto expõe as vísceras do Japão feudal mostrando que até uma cerimônia nobre, quase sagrada, como o harakiri tem também o seu lado nada edificante e pode esconder hipócritas e covardes travestidos de samurais. Valeu a pena esperar todo esse tempo para ver essa joia rara do cinema, mas você não deve esperar mais 59 anos para vê-lo.

Mass - EUA, 2021

Quatro atores e atrizes extraordinários, Jason Isaacs, Martha Plimpton, Reed Birney e Ann Dowd, uma sala contígua a uma igreja episcopal, uma mesa, quatro cadeiras, um pequeno arranjo de flores num jarro, uma caixa de lenços de papel.

O ator de mais de 70 filmes, Fran Kranz, estreando na direção, só precisou desses recursos cenográficos para filmar o roteiro escrito por ele mesmo e fazer um filme impactante onde é impossível piscar o olho durante a fruição das imagens, sob pena de perder o bonde da reflexão.

Uma aula brilhante de cinema de baixo custo (foi filmado em apenas 14 dias, sendo 4 de externas), criativo, envolvente, com uma mise en scène impecável. 

É um drama psicológico contemporâneo que tem a ver com todos nós, não perca.

O Capitão - Alemanha, 2017

Diz o resumo do IMDB: Nos últimos dias da Segunda Guerra Mundial, um jovem soldado alemão lutando para sobreviver encontra um uniforme de capitão nazista. Posando como um oficial, o homem assume a identidade monstruosa daqueles de quem ele tenta escapar.

No final a equipe de gravação sai pelas ruas da Alemanha de hoje com o jovem “capitão” e seus soldados pedindo agressivamente para ver os documentos das pessoas nas praças e calçadas. A reação dessas pessoas diante do arrogante “nazista” é, como dizem os espanhóis, “escalofriante”.

Um filme obrigatório, antes que seja tarde demais.

A Ascenção - Rússia, 1977

Talvez o melhor filme feito sobre a estupidez, insensatez e nonsense de uma guerra. A cineasta Larisa Shepitko conduz com olhar seguro sua câmera sobre a paisagem e cenários e dirige com rara sensibilidade o seu elenco maravilhoso, extraindo de todos em cena o melhor do oficio de cada um.

Obra para ser vista imediatamente.

O Dia Mais Longo do Japão - Japão, 1967

A guerra vista pelo lado dos perdedores. Os conflitos éticos e, sobretudo, morais dos oficiais japoneses diante da humilhante rendição iminente depois das bombas de Hiroshima e Nagasaki. O filme de Kihachi Okamoto confirma: a guerra é uma insanidade total, não importa o lado. 

Com a singular forma de atuar que o celebrizou, Toshiro Mifune vive o então Ministro da Guerra japonês, General Korechika Anami.

Indispensável, veja assim que puder.

The Beatles: Get Back - Reino Unido, 2021

Tudo o que já foi dito sobre esse filme de Peter Jackson, editado a partir de imagens gravadas, produzidas e dirigidas por Michael Lindsay-Hoog em 1969, é pouco. O filme original, Let it be, lançado em 1970, apresenta uma imagem desoladora da banda como se as sessões de gravações tivessem sido feitas num clima de guerra entre eles, não é verdade.

Get Back é mais que um documentário consistente, repleto de imagens raras de arquivo e conversas também raras com os quatro Beatles work in progress. O filme, dividido em três partes, é um registro único de um momento único da cultura pop no ocidente naquele final da década que escancarou tudo, e mostra os Beatles descontraídos, brincalhões, entusiasmados com o projeto em que trabalham, criando a todo vapor e culminando com a apresentação histórica deles no telhado do prédio situado na Saville Road, 03, em Londres em 30 de janeiro de 1969. Tudo isso, como já vimos, ao som da mais fina música daquela banda de Liverpool que, acredito, vocês já devem ter ouvido falar.

Recomendo não só para fãs dos Beatles.

Manikarnika: A Rainha de Jhansi - Índia, 2019

Épico indiano que conta a história real de Rani Lakshmibai, uma das principais figuras da rebelião indiana de 1857, e sua resistência ao domínio britânico.

Em pleno século 19, Rani empunhou sua espada e partiu para a luta ao lado dos nacionalistas indianos contra o poderoso império colonialista britânico. Uma mulher guerreira, de origem nobre, totalmente desconhecida no ocidente e que agora tem sua história contada nessa superprodução primorosa dirigida a quatro mãos por Radha Krishna Jagarlamudi e a jovem atriz/diretora (34 anos) Kangana Ranaut, que também interpreta magistralmente a personagem-título.

O cinema indiano contemporâneo há muito superou Hollywood no quesito "superprodução histórica". Confira.

O Mauritano - EUA, 2021

Tortura, prisão clandestina, desprezo pelo ser humano, são inaceitáveis depois de tudo que aprendemos (?) na história sobre o nazismo, fascismo e outros “ismos” opressores e abjetos.

A luta de Mohamedou Ould Salahi pela liberdade, após ser detido e preso sem acusação durante anos pelo governo dos Estados Unidos, dignifica a espécie humana e nos convida a dar uma mirada no espelho.

Esse tipo de filme tem que ser feito e visto pelo maior número de espectadores possível.

Nossa lista acaba aqui, sugiro conferir essas produções.

Boas sessões!

Capa e contracapa do livro

O livro “O cinema independente brasileiro contemporâneo em 50 filmes” foi lançado em novembro de 2020 pela Editora Sulina (www.editorasulina.com.br) e já está disponível para venda.

É um trabalho completo sobre essa importante produção que abarca um extenso período que vai de 2000 a 2019 e se realizou em vários estados do país. O cineasta, curador, escritor e professor do curso de graduação em Cinema e Audiovisual da Universidade Federal do Ceará (UFC), Marcelo Ikeda viu os filmes, conversou com os cineastas e traduz tudo isso em análises apuradas que desvelam esse universo oculto do cinema brasileiro contemporâneo. 

Nos anos 1970, o professor, crítico e ensaísta Paulo Emilio Salles Gomes disse que o pior filme brasileiro diz mais sobre nós mesmos que o melhor filme estrangeiro, era uma senha que ele lançava em sua incansável jornada pela visibilidade do cinema nacional. Ele disse também a título de provocação para o debate, que o brasileiro não “via” filmes, apenas “lia”, se referindo aos filmes estrangeiros legendados predominantes nos cinemas. Passados 50 anos continuamos “lendo” filmes, só que dessa vez filmes brasileiros que nos chegam através desse oportuno livro de Marcelo Ikeda.

A capa do livro, um trabalho de Letícia Lampert sobre stills de dois filmes da lista dos 50, é emblemática: uma espectadora solitária, sentada em sua cadeira, contempla a imagem em sua frente, mas antes tem um portão fechado que impede uma aproximação maior da espectadora (nós) dessa imagem. A imagem bateu em mim como uma síntese do conteúdo do livro que revela para o leitor, em palavras, as imagens ocultas desse cinema sem tela que circula timidamente em mostras e festivais restritos a poucos que têm a possibilidade de se fazer presentes nesses eventos sazonais. 

Dos 50 títulos elencados por Marcelo eu só tinha informações de 4, e não vi até hoje nenhum deles. (cheguei inclusive a destacar a estreia de “A Noite Amarela” em Campina Grande neste blog em 2019, quando pude ir ver já não estava mais em cartaz. No ano anterior participamos da sessão única, sim única, de “O Nó do Diabo” numa sala pública adaptada para cinema).

Esse impasse filme nacional X público é antigo, e nunca foi resolvido. Quanto mais janelas se abrem para o audiovisual, mais portões se fecham para o filme brasileiro. Ao longo da história foram vários os embates dos cineastas e produtores para garantir a presença do cinema brasileiro em seu próprio mercado, um mercado ocupado há mais de um século pelo filme estrangeiro, notadamente o produzido em Hollywood (e Marcelo é bem consciente disso). Hoje, ao que parece, os cineastas e produtores não estão muito empenhados em dar continuidade a essa luta para ocupar nossas telas e demais janelas. A impressão que se tem é que todo esforço é concentrado apenas na produção do audiovisual, a apatia no momento da distribuição e exibição é quase regra. ( a segunda capa do livro, com o personagem deitado em berço esplêndido, embora talvez não tenha sido essa a intenção da autora, estaria a denotar essa postura?). Não custa lembrar que essa questão é mais política que simplesmente mercadológica, parafraseando Fuller o cinema é um campo de batalha.

Arrisco dizer que somos os maiores produtores do mundo de filmes que não chegam até o público, os poucos que chegam são em sessões com horários inconvenientes, pouquíssimos dias em exibição e repercussão quase zero na chamada mídia (mainstream à parte). Lembro a justa decepção do cineasta Edgar Navarro com o minguado público nos cinemas do seu “Abaixo a Gravidade”, filme que vimos numa exibição online e esperamos a oportunidade de rever.

O grande mérito do livro, além das preciosas, detalhadas e inéditas análises, é rasgar o véu que encobre esse cinema que se supõe pelo escrito ser um cinema composto por filmes vibrantes, corajosos, inovadores, provocadores. Um cinema que, lástima, ainda tem esse portão trancado na frente impedindo o acesso do público a ele, e nada mais solitário que um filme não exibido.

A escassa bibliografia sobre o cinema brasileiro (a frase pode até ser um clichê, mas é verdadeira) ganha agora um expressivo volume que nos chega como uma bússola apontando os novos caminhos e direções do cinema nacional, seus realizadores, atores e atrizes e os múltiplos cenários geográficos e locações em que foram produzidos, entretanto sem se pretender a ser um cânone, como diz textualmente Ikeda: “não pretendemos formar um “cânone” dos principais filmes brasileiros dos últimos anos, mas, ao contrário, utilizando códigos similares à composição do cânone (a apresentação de uma lista de filmes), buscamos justamente problematizar sua formação, alargando o campo de atenção para o cinema produzido no país nas últimas duas décadas. A ironia da metodologia adotada está na utilização de um método canônico para poder desorganizá-lo por dentro.”

É um livro plural, diverso, que li com atenção e alegria (sim, concordo com o que disse Paulo Emílio) e recomendo a todos que se interessam por história, análise crítica, contemporaneidade e, claro, cinema brasileiro.

Confiram.

Fim de ano, tempo da tradicional lista dos dez melhores filmes vistos. Os leitores do blog sabem que temos regras próprias para essa classificação, primeiro o primeiro da lista não significa que é melhor que o décimo, a numeração é apenas uma questão de numeração. Segundo, diferente de outras listas semelhantes, essa contempla os filmes vistos pela primeira vez, independente do ano de lançamento, e terceiro outras dezenas de filmes muito bons ficaram de fora porque a lista é cravada em dez títulos , ou seja é  apenas uma convenção.

Dito isto, vamos ao que interessa (interessa?):

Num cenário que lembra metaforicamente a cela de uma cadeia, Caetano Veloso reflexiona sobre sua prisão pela ditadura civil-militar em 1968. A fala do artista, firme e emocionada, nos mostra que os assuntos que motivaram sua injusta prisão continuam atuais, aquele passado aparentemente distante ainda repercute no presente (o que é, no mínimo, um absurdo).

Assim como os filmes e livros sobre o nazismo e o stalinismo, filmes sobre a ditadura civil-militar brasileira devem continuar sendo produzidos e, mais que isso, sendo vistos, lidos e discutidos para que fatos como esses não se repitam nunca mais.

2. "Filhas do Sol" - França, 2018, dirigido pela cineasta Eva Husson

A história de mulheres guerreiras curdas lutando contra o Exército Islâmico para salvar sua cidade natal e suas famílias daquela barbárie  patrocinada “diz que” em nome de Alá. Essas histórias reais,precisam ser contadas para que o maior número de pessoas fique sabendo e reflexione sobre isso que chamamos genericamente de humanidade.

3. "Durak, O Tolo" – Rússia, 2014

O filme de Yuriy Bykov conta a história de um simples encanador, homem honesto, ele enfrenta todo um sistema de burocratas corruptos na Rússia pós queda do muro de Berlim, ou seja, a Rússia de hoje, tentando salvar 800 deserdados que vivem num edifício prestes a desabar e soterrar todos. O filme é sobre nós todos, ou aqueles que ainda acreditam num mínimo de dignidade e honestidade no sistema que nos governa, quer dizer é sobre os tolos. Parafraseando Drummond, é só um filme, mas como dói.

4. "O Leão do Deserto" - Líbia/USA, 1980 - Direção: Moustapha Akkad

Em 1929, o ditador fascista italiano Benito Mussolini nomeou o general Rodolfo Graziani como governador colonial da Líbia italiana com ordens de eliminar toda a resistência dos nacionalistas líbios liderados pelo líder guerrilheiro rebelde Omar Mukhtar. Outra história real pouco conhecida e pouco divulgada sobre a resistência contra a extrema direita e uma de suas ramificações mais abjetas: o fascismo. Brilhantes atuações de Anthony Quinn, como o líder rebelde Omar Mukhtar e Oliver Reed como o general Rodolfo Graziani.

5. "Você Não Estava Aqui" – UK, 2019

O cineasta Ken Loach é como o vinho, os anos passam e ele fica cada vez melhor. Aos 83 anos (hoje vai completar 85 em junho próximo) fez este filme de uma atualidade chocante: na esperança de que o trabalho autônomo por meio de uma economia gigantesca possa resolver seus problemas financeiros, um motorista de entrega (delivery) do Reino Unido e sua esposa lutando para criar uma família acabam presos no círculo vicioso dessa forma moderna de exploração do trabalho, a chamada “uberização”. Ken Loach não se deixa levar pelo discurso enganador dos ministros da economia, na verdade moleques de recado (ou “aviões” se quiser usar a linguagem do crime organizado) dos rentistas, agiotas, que dominam o tal mercado contra a população e mostra sem filtros essa nova realidade da precarização dos direitos trabalhistas em todo o mundo em nome de um cínico e desumano “desenvolvimento”. Imperdível.

6. "Uma Vida Oculta" - USA/UK/Alemanha, 2019

O diretor Terrence Malick aborda um evento real: a história de um herói desconhecido, Franz Jägerstätter, que se recusou a lutar pelos nazistas na Segunda Guerra Mundial. Quando o camponês austríaco é ameaçado de execução por traição, é sua fé inabalável e seu amor por sua esposa, Fani, e seus filhos que mantêm seu espírito vivo. Um exemplo de dignidade, coragem, honra. Deveria ser exibido nas escolas como matéria obrigatória.

7. "Os Cavaleiros do Buzkashi" – USA, 1971 – John Frankenheimer

Uma grande surpresa esse filme que só vim ver agora (antes tarde que nunca). Roteiro do grande Dalton Trumbo, baseado no romance de Joseph Kessel (o mesmo de Belle de Jour). O filme é um drama que retrata a vida rural no Afeganistão contemporâneo e o amor do povo afegão por um antigo esporte tradicional semelhante ao pólo a cavalo. Saber que o mundo, e seus costumes, é bem maior que nossos limitados horizontes pra mim sempre é gratificante. O filme também derruba de uma vez por todas a estória que dizia que Omar Shariff não passava de um canastrão boa pinta,  ele era na verdade um grande ator que infelizmente foi mal aproveitado na maioria dos filmes que fez. Jack Palance, como Tursen, pai do personagem de Shariff, é outro destaque de "Os Cavaleiros do Buzkashi".

8. "Os Miseráveis" - França, 2019 

O diretor Ladj Ly ambienta seu filme no subúrbio  operário de Montfermeil, onde Victor Hugo escreveu seu famoso romance Les Misérables há mais de 150 anos, não é coincidência. Policia, migrantes, menores largados nas ruas e explorados, corrupção, criminalidade, injustiça... tudo que está no romance de Victor Hugo se faz presente na Paris do século 21. Onde erramos?

9. "Labirinto de Mentiras" - Alemanha, 2014 - Giulio Ricciarelli

O ano é 1958. A guerra acabou há treze anos e a República Federal da Alemanha não está apenas se recuperando, mas até mesmo crescendo. Mas onde estão os nazistas? Quem já ouviu falar dos campos de extermínio? Parece que tudo vai para o melhor no melhor dos mundos possíveis nesta terra de leite e mel - pelo menos, até o dia em que o jornalista Thomas Gnielka relata o reconhecimento por um artista judeu-alemão de um professor local que foi guarda-torturador no campo de concentração de Auschwitz. A partir daí se revela uma teia obscura de encobrimento e negação dos crimes contra a humanidade praticados pelos nazistas, o próprio governo alemão protege os torturadores do passado recente. Qualquer semelhança com o Brasil de hoje  terá sido mera coincidência?

10. "Axé: Canto do Povo de um Lugar" - Brasil, 2016

Envolvente documentário sobre o nascimento, desenvolvimento e-aparentemente- desaparecimento da Axé Music surgida na Bahia. Os bastidores, os personagens, as canções num filme bem dirigido por Chico Kertész. Para ver e ouvir.