A barra no planeta não está fácil. Os noticiários na Internet e na TV exibem 24 frames de terror por segundo. Não vivemos mais nas beiradas do apocalipse, estamos dentro dele.

Um filme, já disse aqui, não tem o poder de mudar o mundo, mas pode mudar você. Você sozinho também não pode mudar o mundo, mas pode mudar você mesmo, o que convenhamos não é pouco.

Hamnet de Chloé Zaho, Globo de Ouro de Melhor Filme e forte concorrente ao Oscar 2026 com 8 indicações, é um desses raros filmes produzidos hoje que podem mudar o modo como você enxerga e atua no mundo em que vivemos.

Uma das sinopses do filme diz: “A história de Agnes - a esposa de William Shakespeare - enquanto ela luta para lidar com a perda de seu único filho, Hamnet. Uma história humana e comovente que serve de pano de fundo para a criação da peça mais famosa de Shakespeare”, mas o filme é muito, muito mais que isso.

Parte do título dessa postagem vem de uma espécie de oração que Agnes (a irlandesa Jessie Buckley que concorre ao Oscar de melhor atriz e tem o meu voto platônico já que não integro a Academia de Hollywood) aprendeu com sua mãe quando criança. A oração, recitada 3 vezes em momentos distintos do filme, é feita sempre durante o preparo de um poderoso unguento que entre outras virtudes medicinais “tem poder sobre o horror que espreita a terra”. Esse vaticínio sobrenatural, essa forma de ler o mundo que está no âmago da obra de Shakespeare, é uma das pistas postas por Zhao para nos ajudar a ler o filme dela.

O mundo que chamamos de sobrenatural é um dos elementos recorrentes no teatro shakespeariano, fantasmas e bruxas habitam a cena e contracenam com os personagens naturais com uma intimidade desconcertante para os mais céticos (que não é o meu caso). Há mais coisas entre o céu e a terra, Horácio, do que sonha a nossa vã filosofia, diz Hamlet no Ato 1, Cena 5, da tragédia homônima.

Hamnet capta e traduz a atmosfera dessa fusão morte/vida, matéria/espirito, racionalidade/intuição com uma delicada compreensão das intenções do bardo ao escrevê-las. O filme também demonstra isso logo no início, na cena em que Will (Paul Mescal) conta para Agnes a história de Orfeu e Eurídice, e ela gosta do que ouviu.

Quem procura uma biografia da esposa de Shakespeare, ou do filho morto prematuramente, ou até mesmo do próprio William, o filme indicado não é esse.

Chloé Zhao não fez um filme do tipo based on a true story, mesmo porque a true story de Shakespeare até hoje não foi devidamente comprovada. É na verdade um filme-unguento (permitam-me a expressão) sobre a possibilidade de cura das nossas feridas, desde as físicas, como o corte na testa de Will, até as espirituais, como o doloroso luto pela perda do filho.

Um dos mais belos diálogos de Hamnet, pela simplicidade e profundidade, é travado entre Agnes e seu irmão Bartholomew (Joe Alwyn), ela lembra uma lição que a mãe deles ensinou e que diz para viverem com o coração aberto, que não o trancassem na escuridão, mas que o voltassem para o Sol. Isso é puro Shakespeare sem necessariamente ter sido escrito por ele.

Outro ponto de destaque no filme é a fotografia do polonês Lukasz Zal, o mesmo de Guerra Fria (2018) e Zona de Interesse (2023), não é uma fotografia contemplativa da paisagem ou dos interiores, é uma fotografia totalmente integrada ao que está diante da câmera. Duas cenas bastam para exemplificar isto: o parto na floresta e o casamento de Agnes e Will.

A edição do brasileiro Affonso Gonçalves (Carol e Ainda Estou Aqui), em conjunto com Zhao, opera em muitos momentos, especialmente na sequencia final, um distanciamento espaço-temporal, sublinhando a geografia do rosto humano e todas suas nuances, eliminando assim qualquer cronologia, o que possibilita tirar a ação do século 16 e instalá-la no tempo presente do século 21, tornando contemporâneo o seu significado.

O ponto de inflexão da trama é a morte de Hamnet (Jacobi Jupe), segundo filho do casal que nasceu gêmeo com Judith (Olivia Lynes); o primeiro filho é uma menina, Susanna (Bodhi Rae Breathnac). A morte do menino, na ausência do pai que se encontrava trabalhando com sua companhia de teatro em Londres e arredores, provoca um tsunami emocional na relação do casal.

As duas visões sobre a morte do menino se tencionam, Agnés tem uma reação orgânica, visceral, uterina (é mãe), William por sua vez encara a perda não como algo definitivo, mas possível de uma recuperação (é um artista).

A sequência final é arrebatadora, é o efeito prático do unguento que falei acima sobre as feridas da alma, sarando-as definitivamente. No interior do teatro lotado, microcosmo que metaforiza nosso mundo (o mundo inteiro é um palco, diz Jacques no Ato II, Cena VII, da peça Como Gostais), o luto é sublimado pela arte, deixando de ser um sofrimento interminável e passando a ser uma compreensão dos processos que regem a existência humana, tendo como símbolo a comunhão de mãos da plateia com as mãos do ator-Hamnet-Hamlet (Noah Jupe), quebrando poderosamente não só a quarta parede que separa o mundo da tragédia encenada no palco do mundo da plateia, mas num plano mais profundo, metafísico, extinguindo a separação entre a vida e a morte, penetrando além das três dimensões terrestres, atingindo a dimensão etérea do mundo dos espíritos. Nesse momento esplêndido, Agnes leva a mão ao coração tirando-o do escuro em que se encontrava e volta-o para o Sol libertador da compreensão. O silencio que resta é atravessado pelo doce riso de Agnes e Will celebrando o reencontro com Hamnet, essa reconciliação tem como força mediadora a arte, o teatro e o cinema selam o pacto instaurando a mais pura luz, sublime antidoto contra o horror que nos espreita hoje.

Confiram.

Finalmente tive a oportunidade de ver no cinema o novo filme de Kleber Mendonça Filho, filme que está na boca e nos corações dos brasileiros que amam a arte e a cultura produzidas em nosso País. Os prêmios em Cannes e em Los Angeles (Globo de Ouro) foram mais que merecidos.

O Agente Secreto é um filme que se abre para 1001 interpretações nos mais variados campos do saber humano: história, política, sociologia, psicologia, antropologia, filosofia...

No Youtube existem alguns bons vídeos com análises assentadas nessas ciências buscando decodificar o filme, notadamente no seu aspecto histórico-político. Não vou cair na tentação de dizer mais do mesmo, se procuram uma explicação para o filme nessa linha de interpretação vejam os vídeos no Youtube e tirem suas próprias conclusões.

Vejo O Agente Secreto especialmente como um filme de cinema, cinema que é o agente secreto infiltrado em todo o tecido narrativo do excelente thriller ambientado no Recife. 

Kleber Mendonça, como todo grande cineasta da década de 1960 para cá, é antes de tudo um cinéfilo, e deixa claro isso logo na abertura do filme quando o personagem central para num posto de gasolina para completar (encher) o tanque do fusca amarelo já na reserva.

Não por acaso o posto chama-se São Luíz, mesmo nome do cinema que povoou a infância e adolescência de Kleber, local onde ele abasteceu sua cultura cinematográfica através de incontáveis títulos que desfrutou no belo cinema, também um personagem importante do filme. 

O fato de centralizar grande parte da ação dramática no interior e ao redor, fisicamente falando, do cinema São Luíz reforça a opção narrativa do cineasta de basear na própria arte do cinema, e suas variadas manifestações, o seu instigante filme.

As referências ao cinema estão por toda parte e saltam aos olhos: numa das dependências do São Luíz onde se reúnem para gravar em fita K-7 um depoimento, vemos na parede as imagens de Oscarito, Marilyn Monroe e Grande Otelo. Na entrada do cinema os pôsteres anunciam os filmes A Profecia, Dona Flor e Seus Dois Maridos, Tubarão; na fachada um letreiro divulga: King Kong. No escritório do cinema vemos na parede dois pôsteres de filmes que de certa forma sintonizam com subtextos de O Agente Secreto: os amores clandestinos no Parque 13 de Maio e a dualidade Armando/Marcelo, também metaforizada na gatinha de duas caras na pensão/refúgio de Dona Sebastiana, personagem  interpretada pela amada ladra de cenas Tânia Maria. Os filmes a que me refiro são Perdidos na Noite (John Schlesinger, 1969) e Dois Homens Contra Uma Cidade (Joé Giovanni, 1973). Jean-Paul Belmondo e o marinheiro Popeye são outras presenças metalinguísticas no filme de Kleber. 

É escancaradamente cinematográfico o personagem Alexandre, sogro de Armando/Marcelo, que trabalha como projecionista no São Luíz. Alexandre é uma homenagem a um projecionista homônimo, verdadeiro, que Kleber referenciou em Retratos Fantasmas.

Se não bastassem as fotos, letreiros e pôsteres sublinhando a presença do cinema, a câmera penetra no interior do São Luíz durante a sessão do filme em cartaz, A Profecia (Richard Donner, 1976). A escolha desse filme não é aleatória, a trama também trata de mortes misteriosas, como as provocadas pela perna cabeluda na Recife mergulhada na sanguinária ditadura que completava 13 anos no poder. O medo é uma das armas dos regimes autoritários para manter a sociedade sob rigoroso controle, a imprensa sensacionalista amplifica esse medo com suas manchetes escandalosas onde a verdade não tem vez.

Nesse sentido, o filme-fixação, Tubarão (Steven Spielberg, 1975), que na luminosa sequência de abertura é fusionado com uma intrigante perna, permeia os pesadelos do menino, os pesadelos da comunidade praieira criada na diegese de Spielberg e os pesadelos da cidade do Recife permanentemente assombrada com o sufocante clima de repressão imposto pela ditadura. Há de se notar ainda que o personagem filho de Armando/Marcelo, portanto uma extensão biológica dele, só se livra dos recorrentes pesadelos com o tubarão quando finalmente consegue ver o filme até então proibido para a faixa etária dele, 9 anos. A metáfora é perfeita: o mal só pode ser vencido se você enfrentá-lo (Armando/Marcelo não enfrenta, tenta fugir e o resultado dessa fuga você vê no filme), essa construção me remeteu a Bacurau quando a população nativa, depois de muitas derrotas, decide enfrentar na bala os invasores. 

Um dos momentos mais impactantes, em termos de enquadramento e composição da imagem, é o belíssimo plano geral do centro do Recife visto por Armando/Marcelo a partir da janela do cine São Luiz. Não é só a reconstituição de época, brilhante por sinal, com os automóveis e ônibus elétricos dos anos 1970 circulando na ponte Duarte Coelho e os edifícios vestidos como no período histórico em que se passa a ação do filme, não. A beleza peculiar dessa imagem é justamente a dimensão cinematográfica que ela carrega, a câmera sai da sala de projeção do tradicional cinema de rua e se projeta no écran da cidade reconstituída cinematograficamente. É uma metamorfose poderosa, o filme dentro do filme, A Profecia exibida na tela do cinema, dá lugar ao emblemático plano geral do centro do Recife, é como se o cinema se libertasse da sala em que está confinado e se expandisse em magnífica pletora sobre toda a cidade.

Esse plano de estonteante encanto me fez lembrar uma sequência de Retratos Fantasmas, filme lançado por Kleber em 2023, sequência que não me sai da memória, quando o cineasta fala de uma cena de O Som ao Redor, filme que dirigiu em 2012, cena essa que se passa numa rua do bairro de Setúbal, Kleber diz que primeiro queria filmá-la com a iluminação noturna dela mesma, as luzes vindas dos postes. Depois ele mesmo se deu conta que não ficaria bom e resolveu iluminar cinematograficamente e a rua passou a ter a dimensão do cinema. É o mesmo que acontece com o Recife de O Agente Secreto.

Um parêntese: não vou fingir hipocritamente que não vi o imenso letreiro na fachada de um edifício na margem oposta do Capibaribe, à direita do cine Trianon, gritando: “Campina Grande”. Bairrismo, provincianismo e outros “ismos”, vejam como quiser o que importa é que a cidade está lá, projetada em larga escala para o mundo (sim, Pernambuco agora fala para o mundo como nunca), nos enchendo de uma indisfarçável alegria por ter o privilégio de figurar numa imagem, em exuberante widescreen-panavision, que muitas outras cidades dariam tudo para estar lá. Gil estava certo, apesar do inaceitável desastre ecológico no açude Velho, continuamos querendo ser Nova York.

O desfecho da trama, abrupto para alguns, com o desaparecimento do personagem central (que, insisto, não é o personagem central), visto apenas numa foto de jornal em preto-e-branco, confirma o que destaco nesta breve análise: o tema central é mesmo o cinema. Se não, como explicar o sumiço repentino de Marcelo/Armando e o filme prosseguir, agora centrado no filho que diz com todas as letras que não tem nenhuma lembrança do pai, mas recorda com uma memória cristalina que viu o filme Tubarão de Spielberg, um desejo quase obsessão de sua infância, no cine Boa Vista, agora transformado na clínica de hemoterapia onde trabalha.

Essa constatação não elimina a importância de Armando/Marcelo que é o objeto principal do trabalho de pesquisa que tenta reconstituir sua trajetória e desvendar seu enigma feito pelas jovens pesquisadoras, inclusive uma delas dá um pendrive com todas as transcrições das falas de Armando/Marcelo para Fernando, o filho, e ele guarda o dispositivo no bolso com real interesse sinalizando que pretende recuperar essa memória do pai. Enquanto a memória de Armando/Marcelo é ainda um processo em investigação/construção, a memória cinematográfica que perpassa todo filme é algo consolidado, perene, é o cinema que permite que todos os acontecimentos narrados, pretéritos e presentes, sejam assimilados por todos.

O grande plano final com a clínica em destaque, e o letreiro trazendo a palavra sangue em vermelho profundo, denota claramente que o cinema, em toda sua amplitude, é o sangue que corre nas veias e faz bater forte o coração do agente secreto.

Confiram.

Mais um ano começando e nós publicando a tradicional lista dos 10 melhores filmes vistos no ano que passou. Diferentemente das listas desse gênero que privilegiam os lançamentos do ano findo, a nossa tem como critério de “lançamento” os filmes que vi pela primeira vez. Já falei anteriormente, e repito, que filme “novo” é todo filme que você não viu ainda, não é mesmo? Então esse é o critério da minha lista: filmes que vi pela primeira vez no ano findo, sem importar o ano em que foi produzido. A ordem da lista é apenas numérica, não quer dizer que o primeiro é melhor que o segundo nem o décimo é menos bom que o nono. Também é importante dizer que o fato da lista ter apenas dez filmes, quando na verdade vimos muitos outros bons filmes, muitos deles comentados aqui no blog, é somente uma convenção tradicional.O protagonismo do cinema brasileiro nesse ano de 2025 é digno de nota. Dito isto, vamos aos filmes:

Perto do Sol É Mais Claro - Brasil, 2025

Vi esse filme na 20º edição do Comunicurtas. É um tour de force do diretor Regis Faria juntamente com o seu pai, o lendário Reginaldo Faria. O filme trata de um tema universal: o humanismo, a vontade de estar vivo, mas não apenas estar respirando, vivo no sentido amplo, como lembra o poeta “Navegar é preciso, viver não é preciso”. Num esmerado trabalho de câmera, direção e edição, Regis Faria consegue a proeza de fazer um documentário não documental, se é que consigo me fazer entender. O personagem central é o próprio Reginaldo Faria do alto dos seus 85 anos, um personagem real, com suas virtudes e suas falhas também, com suas capacidades e incapacidades físicas, com seus projetos ainda por fazer, seus amores, filhos e netos.

Enquanto O Céu Não Me Espera - Brasil, 2021

Também visto no festival Comunicurtas (uma importante janela para os filmes brasileiros). Produção amazonense dirigida por Christiane Garcia, é um filme daqueles de difícil realização técnica por causa dos cenários naturais sempre encharcados até a medula. Contudo isso não foi um obstáculo para a realização segura, firme, minuciosa de Christiane, que inclusive aproveitou com riqueza dramática o fato do corpo humano ser composto por cerca de 60% de água, ampliando o drama humano dos personagens que nesse mimetismo natural se expande pela paisagem. Se não bastasse essa sacada narrativa que abarca todos os elementos em cena, tem a participação sempre extraordinária de Irandhir Santos, um ator que traz em sua compleição físico-psíquica a incrível capacidade de mimetizar sua estampa com o cenário em volta, ora é um peixe, ora é um cipó, ora é um bicho da floresta.

Sambalanço, A Bossa Que Dança - Brasil, 2019

Roteirizado por Tárik de Souza e dirigido por Fabiano Maciel, este documentário apresenta no cinema a memória, até então invisível, desse importante movimento que dominou a cena musical nos anos 1950 e parte dos anos 1960, misturando samba, jazz e ritmos  caribenhos com forte conotação dançante. Nomes como o  do tecladista Ed Lincoln, o compositor e cantor Orlandivo, o músico João Donato, o baterista Wilson das Neves e outros, falam sobre esse criativo momento da música brasileira de grande empatia popular, mas sem a fundamentação teórica intelectual, vamos dizer assim, da Bossa Nova que surgiu no mesmo período.

Tudo Por Amor Ao Cinema - Brasil, 2015

Outro excelente documentário dessa vez abordando a vida e o trabalho de Cosme Alves Netto, personagem central da história do cinema brasileiro no campo da preservação e difusão de filmes cuja trajetória precisa ser conhecida e compartilhada. Cosme foi o diretor da Cinemateca do Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio de Janeiro de agosto de 1964 até o ano de 1981. Foi preso e perseguido pela ditadura civil-militar e defendeu com amor e coragem o acervo da cinemateca ameaçado permanentemente pela repressão. A paraibana Iza Guerra, ex-esposa de Cosme, dá um depoimento no filme. Roteiro e direção de Aurélio Michiles. Disponível no Youtube.

Tombstone, A Justiça Está Chegando - EUA, 1993

Um daqueles neo-western que surgiram depois do tsunami dos chamados western-spaghetti que violaram o templo do sagrado gênero americano e pintaram e bordaram nas pradarias da Almeria espanhola à guisa de velho oeste. Os irmãos Earp, Wyatt, Virgil e Morgan, mais o grande amigo Doc Holliday (Val Klimer soberbo) se reúnem em Tombstone para tentar levar uma vida calma, sem sobressaltos. Ledo engano. O desafeto Johnny Ringo está por lá também e o conflito é inevitável. A saga do delegado Wyatt Earp é uma história real e já foi filmada mais de 20 vezes pelo cinema e pela televisão. Essa versão dirigida pelo ítalo-americano George P. Cosmatos, com roteiro de Kevin Jarre, dá novo folego ao gênero ao absorver criativamente influencias dos westerns europeus e reforçar os alicerces do gênero tido como “o cinema americano por excelência”. À parte isso, o filme tem um elenco de primeira que o qualifica como poucos.

Nouvelle Vague - França/EUA, 2025

Uma recriação vibrante, sem saudosismo, das gravações do filme Acossado de Jean-Luc Godard, obra seminal do movimento de renovação do cinema francês conhecido como Nouvelle Vague. O filme foi feito em 1959 e lançado em 1960, trazendo inovações revolucionárias não só na decupagem, atuação, diálogos, mas também na montagem. O diretor americano Richard Linklater reconstitui a atmosfera efervescente da Paris do início dos anos 1960, a movimentação dos jovens cineastas, a militância política associada à produção artística. A "nova onda" em marcha apresentando um novo cinema ao mundo.

The Last Movie Star - EUA, 2017

Burt Reynolds (1936-2018) é Vic Edwards um astro do cinema que enfrenta a curva descendente da carreira rumo ao ostracismo. O diretor, também roteirista do filme, Adam Rifkin trata de um tema de certa forma recorrente no cinema americano que aparece em obras como "Crepúsculo dos Deuses" e "Fedora", ambos de Billy Wilder, e "A Cidade dos Desiludidos" de Vincent Minelli. O sub tema do etarismo, assunto bastante em voga nesses obscuros tempos que vivemos hoje, está presente no filme e demonstra que é a causa da aposentadoria forçada de atores e atrizes nessa “máquina de moer gente” (tomo emprestado a frase do roteirista Damien Chazelle no filme "Babilônia", de 2022) que é o cinema industrial de Hollywood.

Valor Sentimental - Noruega, 2025

Roteiro bem construído, diálogos de gente madura, um elenco excepcional, que inclui os consagrados Stellan Skarsgârd e Renate Reinsve, compensa com sobra os 133 minutos investidos na contemplação do filme.Fotografia funcional integrada com a narrativa, trilha sonora sutil, edição surpreendente, direção, de Joachim Trier, que explora com maestria todos esses elementos em função da história narrada.

Foi Apenas Um Acidente - Irã/França, 2025

Embora tenha umas pontas soltas no roteiro (que não prejudicam muito o conjunto da obra), o filme do diretor iraniano, exilado na França, Jafar Panahi, trata, num tom de drama e comédia, de um tema bem presente neste século 21: as ditaduras e seus sistemas de repressão que incluem a abominável tortura. No caso é a ditadura da república islâmica iraniana. Interessante saber que um filme brasileiro de 1998, dirigido por Beto Brant, com roteiro do escritor Marçal Aquino, Ação Entre Amigos, trata exatamente do mesmo tema. A diferença é que no drama brasileiro não há dúvida sobre o objeto da ação e no iraniano há.

Sombras dos Ancestrais Esquecidos - União Soviética (hoje Rússia), 1965

Foi distribuído no Brasil com o título de Os Cavalos de Fogo . É um filme deslumbrante. Reconstituição de época, figurinos, direção de arte, cenografia, música de uma riqueza que só o cinema é capaz de misturar e  reproduzir. O roteiro de Ivan Chendej e Sergei Parajanov é baseado no romance homônimo, obra-prima do autor ucraniano (final do século XIX e início do século XX) Mykhailo Kotsiubynsky. Embora se trate de um filme de época, a cinematografia (fotografia/câmera e edição) é contemporânea e cria um instigante conflito entre o tema abordado e sua interpretação feita pela linguagem do cinema. Todo falado em ucraniano, esse drama dirigido pelo diretor russo Sergei Parajanov (também roteirista) é um dos mais belos e vigorosos filmes feitos na então União Soviética pós segunda guerra mundial.

Essa é a nossa lista do ano que findou, um feliz 2026 para todos com muitos filmes na retina.

Antes de encerrar, uma observação: Ainda não tive oportunidade de ver "O Agente Secreto" de Kleber Mendonça Filho.

Quem tem medo de filmes com final feliz? Digo logo que não tenho. Sou de uma geração fortemente influenciada pelo mundo cinematográfico e extracinematográfico, nós acreditávamos que os filmes, as músicas, as peças e os livros tinham o poder de mudar o mundo. Não tinham. Mas, pelo menos, aprendemos que os filmes, as músicas, as peças e os livros tinham o poder de nos mudar, e como nos mudaram!

Em paralelo aos filmes que nós achávamos que iam mudar o planeta, tinha os filmes bem menos pretenciosos que procuravam apenas entreter por duas horas, duração de uma sessão na época, os espectadores. Eu sempre gostei dos filmes “cabeça” - vi O Homem de Alcatraz com 11 anos de idade - e dos filmes “alienados” (era assim que a crítica carimbava os filmes para entretenimento). Os finais desesperançosos do neorrealismo italiano e do cinema novo brasileiro, por exemplo, me comoviam tanto quanto os finais água-com-açúcar dos filmes com Sandra Dee, Doris Day, Rock Hudson, Cyl Farney e Doris Monteiro.

Lembro que em 1969, depois de vermos impactados O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro de Glauber Rocha no Capitólio, fomos no domingo fazer ao vivo na Rádio Caturité o programa semanal Sétima Arte. “Hollywood quer filmes cor-de-rosa, nós queremos filmes cor-de-sangue!”, bradou um colega na abertura do programa. Ato continuo coloquei “Oh Darling” do disco Abbey Road dos Beatles que tinha comprado com meu irmão Romulo no dia anterior. Quer dizer, eu concordava com aquela frase, mas também concordava com os apelos de Paul, berrando desesperado para a mulher amada: Oh, darling. Please believe me / I'll never do you no harm / Believe me when I tell you / I'll never do you no harm. Nada mais explícito, se levarmos em consideração que a cena mais violenta, hiperviolenta diria, de O Dragão..., é justamente Odete Lara (Laura) apunhalando mais de 30 vezes seu amante Hugo Carvana (o delegado Mattos), a música de Lennon e MacCartney fazia o contraponto (com uma certa ironia hei de concordar) àquela abertura sanguinolenta. Era, e é, a minha permanente luta para sair dos extremos, da caixinha dos “ismos” em todas as suas ramificações.

F1: O Filme (título em português) tem 2 horas e 35 minutos de duração, mas é daqueles filmes que você não percebe a passagem do tempo. Tudo funciona perfeitamente como num filme de James Bond. Não gosto de corridas de Formula 1, nem no auge de Ayrton Senna eu via , mas a versão cinematográfica dessas corridas “arrastaram meu olhar como um imã” como diz a canção.

Kosinski, que além de dirigir, escreveu o roteiro original juntamente com Ehren Kruger, é um cineasta de grandes sucessos: Top Gun: Maverick, Os Irmãos Grimm, Oblivion, Homens de Coragem, entre outros.

Embora tenha cenas espetaculares das corridas, inclusive imagens impressionantes feitas com uma câmera construída especialmente para o filme (fotografia do chileno Claudio Miranda), F1 não é um filme sobre corridas. Os astros reais das pistas estão lá, Fernando Alonso, Lewis Hamilton, Charles Lecrerc, Max Verstappen e outros, mas observem que esses pilotos são apenas coadjuvantes, aparecem numa cena ou outra, mas sempre em segundo plano. F1 é um filme sobre os dilemas, as fraquezas, a coragem, os vacilos, os acertos e as decisões - certas e erradas - que temos de enfrentar. São temas universais que envolvem todos os seres humanos e servem de base para os dramas, as tragédias e as comédias - da literatura ao cinema - que compõe parte importante das nossas vidas.

Brad Pitt (numa atuação soberba, o cara não é só fina estampa, é ator mesmo) é Sonny Hayes, um piloto veterano que continua nas pistas não por necessidade financeira, mas por necessidade, vamos dizer assim, existencial (o último plano e última fala do filme, reafirmando essa escolha, é arrepiante). Esse personagem fictício me lembrou um personagem da vida real que teve a vida contada no cinema, é o lutador de boxe americano Jim Braddock (Russel Crowe) no filme Cinderella Man de Ron Howard, 2005 (aqui no Brasil, A Luta Pela Esperança). Braddock foi da glória ao ostracismo nos ringues, mas quando todo mundo apostava que ele estava definitivamente acabado, o veterano lutador ressurge das cinzas e reescreve com garra e determinação sua história, tornando-se um exemplo de resistência e esperança para milhares de americanos afundados na grande depressão, econômica e psicológica, dos anos 1930.

Voltando ao F1, Sonny é contratado por uma escuderia de porte médio onde um velho amigo, Rubén Cervante (Javier Bardem) ex- piloto, dirige a equipe. O jovem piloto Joshua Pearce (grande atuação de Damson Idris) está sendo preparado para ser a estrela da escuderia, a chegada repentina de Sonny desestabiliza emocionalmente o jovem piloto e aí surge uma não tão velada disputa entre eles, na verdade entre Jeshua e ele porque Sonny não está nem aí para esse duelo de egos.

A partir daí o filme só cresce, com diálogos bem escritos e situações plausíveis e aplausíveis. A cena onde o “velho” piloto responde só com monossílabos às perguntas de um badalado jornalista numa coletiva de imprensa é hilária e filosófica ao mesmo tempo. Noutro momento, jogando cartas com o jovem Joshua, Sonny perde a parada para um insignificante par de cartas que Jeshua joga na mesa (uma dupla de 5), depois ficamos sabendo o que realmente aconteceu.

Enquanto Jeshua segue fielmente as orientações do seu relações públicas (Abdul Salis) que vive em busca de likes e engajamento nas redes, Sonny chama tudo isso de “ruídos externos” e não dá a mínima para essas badalações que os pilotos são praticamente obrigados a participar antes e depois das corridas. 

Outra personagem marcante é Kate McKenna (uma atuação sensível de Kerry Condon), a engenheira projetista dos carros da escuderia. A cena em que Rubén Cervante, o chefe da equipe, bate na porta do apartamento dela no hotel em que estão hospedados para saber se Sonny está por lá é uma das mais engraçadas do filme.

Os bastidores dessas bilionárias disputas onde o elemento humano é o que menos conta e a moral e a ética variam dependendo apenas dos dólares envolvidos, são mostrados sem sensacionalismo ou estardalhaço, aparecem naturalmente como são.

Etarismo, resiliência, cinismo, mentira, vaidade, transitoriedade, ciúme, persistência, tudo que abarca a busca interior pelo sentido da vida também compõe o roteiro dessa superprodução que envolveu mais de 300 profissionais e foi gravada em locações reais em Las Vegas, Abu Dhabi, Monza, Daytona, Budapeste, México, Japão e Bélgica.

Sim, o final é feliz, mas nada daqueles finais previsíveis, se trata da felicidade da alma.

Se você gosta de diversão com reflexão, F1 é o filme, não perca.